KDA SONORO! Gran Inauguración!!

colección primavera/verano 2009

Mudadora 8-Mañana!

escuela/san juan diana aisenberg

http://madonnaensanjuan.blogspot.com/

maraton en isidoro-cnel suarez

KDA SONORO 2009!

Mucho trabajo para mucha gente.
Gran reunión en Jardín Oculto a puro Campari.

fantasias

FESTIVAL 2H! GRAN EVENTO

Música en vivo: Hipnoflautas, Los Pels, Nairobi.
Instalaciones, Pintura, Fotografía, Escultura, Performances, globos, papel picado y luces luminosas voladoras.

visite

I phone paintings, by dHockney
in
the palace

entrar

grito e escuta bloc de notas- ajudamemoria

casa di giulietta

casa di giulietta, verona. italia (2009)

viaje a cordoba

referente geográfico

cilindro de avellaneda

chicas en la selva

algunas fotos en puerto alegre, bienal mercosur

bienal puerto alegre projecto pedagogico

Ghada Amer

el que la quiera como referente, saque numero!

Poesia con Romina

Querubines para La Madonna

con cariño, para la madonna.
protectores de la musica, y amigos de Santa Cecilia.

de Juliana Ceci

FORENCIA MENA por Nuria Kojusner

Florencia nació en comodoro Rivadavia en el año 76.

A los 17 años vivió en Trelew donde estudio en el centro Polivalente de Arte.

Vivió en Provincia de Bs. As. concurriendo a la universidad de La Plata, donde estudio Bellas Artes.

Profesión que siguió estudiando con Daniel Fitte y actualmente con Diana Aisenberg.

Hoy la artista vive y trabaja en la localidad de Bolívar.

Sus obras se construyen de diversas materias.

Para esta presentación trajo un manifiesto, algunos poemas e imágenes.

Se reconoce adicta al pincel, hace dibujitos en papeles que después lleva a la pintura.

Construye su obra de a 5 o 10 por serie, en diversos tamaños. Teniendo por media el soporte mediano

Con cada cuerpo de obra terminado suma una nueva problemática del ser artista, y eso la estimula a seguir pintando.

Florencia no reconoce claramente cual es su pretensión pero rápidamente enumera que cosas quiere de sus obras. Magia, belleza, lo sincero y lo porque si.

Encuentra estos elementos en obras de otros y se los apropia

Tiene obras que construyo desde la mancha , otras que construyo desde el ser un rostro sin nombre por las calles de Bolívar que la llevo a pintar 60 retratos de gente que veía a diario pero no conocía

Para esta artista todo tiene interrogantes, todo o mucho debe ser aprendido, estudiado y la naturaleza es una fuente inagotable de enriquecimiento.

La figura humana fue objeto de estudio. De cada artista que mira siempre encuentra algo para rescatar.

Los niños son su calma.

Una de las obras que vemos esta copada de minuciosos detalles y colores, trabajados como un producto textil. Su titulo es Ventana Roja y pertenece a una serie de 9.

Presenta 2 transformers, así el nombre de la serie de 12, que tienen un personaje multiforme central dibujado con lápiz gris sobre fondo pintado en acrílico. Unas dibujos en fichas, proyecto de una invitación a crear según el abecedario.

Un ejemplar de la serie en técnica mixta con matelaseado de mapas.

Paleta pastel para figuras casi humanas. El dedo rengo, tendales, mujeres con ponchos, demonio, agenda. Para nombrar algunos

4 años trabajando en un proyecto artístico con chicos de un Jardín deinfantes de Bolívar

Florencia presenta su obra como parciales de un todo, que pareciera ser…… infinito.

estamos montando

patricio gil flood daniel abate alberto passolini nuria kojusner gabriela gutierrez monica giron eleonora filippi guillermo iusso fernanda laguna maximo pedraza conchetinas amaya bouquet andres labake carlos masoch juan jose cambre ernesto ballesteros hernan marina octavio garabello nicanor araoz adriana minoliti paola vega juliana ceci alfredo prior lux lindner flavia da rin maria urquizu carmen rocher sergio bazan max gomez canle enrique ahriman graciela hasper

luter marcos torino marcolina dipierro ana gallardo marina de caro feliciano centurion karina badaracco vicente centurion gabriela adelstein marcelo pombo mariela scafati gaston persico jane brodie



10 de julio en lo de abate
propuesta devocional de diana aisenberg
madonna protectora de los artistas

mas de 100! toda la galeria instalada

algunos nombres nomas

CULTURA / ESPECTACULOS › MUESTRA DE DIANA AISENBERG EN EL CENTRO CULTURAL PARQUE DE ESPAñA

Para volver a creer en la pintura

Se trata de la mejor muestra de la ciudad en lo que va del año, curada por Roberto Amigo. Se llama "Escuela" y se inauguró el viernes pasado con una "Adoración a la Madonna protectora de las artes", a cargo de músicos locales.

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Por Beatriz Vignoli

Una reivindicación de la pintura y del arte de pintar: eso y mucho más es la magnífica muestra individual que la pintora, docente y cazadora de intuiciones y certezas Diana Aisenberg (Buenos Aires, 1958) presenta en el Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río) hasta el 1 de julio. Sin duda, la mejor muestra de la ciudad en lo que va del año. Con la curaduría de Roberto Amigo y titulada "Escuela", se inauguró el viernes pasado con una singular "Adoración a la Madonna protectora de las artes". (Ver: http://madonnadelarteysuperiplo.blogspot.com)

"Escuela" y "adoración" son dos palabras en las que conviene detenerse, explorándolas siguiendo el método que desarrolló Aisenberg en su proyecto en colaboración que ahora es libro: Historias del arte, Diccionario de certezas e intuiciones (Adriana Hidalgo, 2004). (Más en http://daisenberg.spaces.live.com).

El concepto de "escuela" se despliega materialmente en la muestra bajo la forma de fondos negros opacos que evocan pizarrones y trazos de pastel a la tiza cuya escena es la de la enseñanza, pero cuya iconografía se espiritualiza, por así decirlo, en tanto plantea una apuesta a la belleza sensible a través de flores, hojas, colores, animales y retratos. Pero "escuela" es también genealogía, linaje, magisterio. La de Diana Aisenberg propone un cruce singular entre: (1) el lenguaje pictórico y cromático del primer modernismo (el de Kandinsky); (2) la pintura emotiva y expresionista de los primeros años de la década de 1980; (3) el arte religioso gótico urbano del Medioevo tardío; (4) el oficio de pintar, y su alegría; (5) los cielos vistos en visiones por un místico moderno, Emmanuel Swedenborg; (6) los templos y los barrios antiguos de la ciudad de Jerusalén; (7) las estampitas que te venden en el subte, y (8) las niñas hermafroditas que habitan los mundos míticos inventados por un artista loco, un asceta del siglo XX llamado Henry Darger, hoy puesto de moda desde las categorías de lo marginal. "Voto por lo celestial en Darger", dice Aisenberg, no sin cierta mal disimulada indignación. "El arte era su curación y su plegaria". Aisenberg reniega de lo religioso como dogma y prefiere definir la fe como "una apuesta a una posibilidad".

Todo lo cual equivale a decir que si la palabra "dantesco" hubiera sido acuñada por Aisenberg, tendría que ver menos con el infierno que con el paraíso. Es que Diana Aisenberg eleva. Sube literalmente sus Madonnas de 1982 y 1983, pintadas en Loxon, a la parte del segundo túnel del CCPE que se arquea en lo alto, resignificando así los lóbregos túneles en arquitectura religiosa no dogmática y en fresco de basílica. Y "Madonna" aquí no significa estrella pop. No sólo por la fecha, sino porque en la pintura de Aisenberg "estrella" significa muchas otras cosas.

"En mi obra puede haber humor, pero no ironía. No tengo ironía, no estoy de vuelta de nada", afirma. ¿Pero qué pensar de la coincidencia entre su pelo rojo y el de la Madonna adorada? Como no viene del catolicismo sino del judaísmo, Aisenberg pasó por alto la fina distinción que hacen tanto el dogma eclesiástico como la tradición pictórica entre (1) veneración (debida a los santos), (2) hiperdulía (nombre particular que recibe el culto de la Virgen María) y (3) adoración (sólo a Dios). "Adoración", en todo caso (le sugiere la cronista), es la de los Reyes Magos por la divinidad aún no manifestada, pero señalada por la estrella de Belén que los guió. Ese mito bíblico sería además toda una alegoría de lo que le sucede al alma humana cuando toma la creación estética como camino: halla lo divino en su morada (de hecho... ¡el pesebre es una suká! coinciden entrevistada y cronista). Es guiada hasta allí por una luz en medio de la oscuridad, que viene de lo alto y que el alma, simbolizada por los reyes astrónomos, sabe reconocer como guía. Entonces, Diana Aisenberg no es la adorada (ni lo quiere ser) sino la adoratriz. No otra es su tarea como artista: partiendo de un saber (el del lenguaje pictórico) y de una forma (el mapa del cielo; la forma compositiva en este caso) sigue una intuición hasta que halla la chispa divina del sentido. Y la halla ahí donde todavía no se ha manifestado en toda su gloria. Y la adora: así como lo fue para Darger, la pintura es su plegaria. ¿Esto es místico? Esto es mítico, esto es mágico. "Mágico como transformación de una vida o de un espacio. La magia puede cuidar", define Aisenberg.

Y de transformación precisamente se trata el recorrido. Iniciado precisamente en Jerusalén, en la Universidad de Arte Bezalel, donde estudió de 1976 a 1982, sosteniéndose en el arte mientras la dictadura militar asesinaba a sus amigos. Regresó a una Buenos Aires arrasada, precaria, desolada, y asumió esa precariedad realizando sus pinturas, verdaderas exquisiteces en cuanto a composición y color, con los materiales pobres que encontraba. De 2001 en adelante, sin embargo, incorpora un barniz artesanal tipo resina, el vidrio líquido: "Más brillo, más consistencia, que brille: si hay miseria, que no se note", dice con una sonrisa.

"Esta obra, en gran parte, sale por primera vez del depósito al público especialmente en esta ocasión directo al Parque España, después de años", escribía Aisenberg antes de la inauguración en un mensaje personal. "Hay obras de los 80, o sea, 30 años que no circulan. Esta muestra, si bien tiene módulos básicos definidos por mí antes de empezar, suma una sala de proyecciones donde hay video arte, video documental, una sección que es la adoración a la madonna protectora de las artes que se realiza en cada parada de la muestra con la participación de artistas locales, esta vez coordinada por Mario Caporali, quien organiza música para la madonna". Cabe agregar que la "adoración" por la orquesta de cámara de música china mario dante/guo cheng, que debutó en esta ocasión con su primer concierto, alcanzó momentos de verdadero éxtasis barroco y dicha celestial. Vestidos de blanco y con collares de flores artificiales, Mario Caporali en voz y piano, Cecilia Lenardón y Vladimir Garbulsky en clarinetes, Emiliana Arias en percusión, Martín Merino en contrabajo, Sebastián Orozco en programación y los violinistas Pachi Gayoso y Franco Dolci, dieron una performance tan maravillosamente excéntrica como inspiradora e inspirada.

Una nota aparte merecerían las exquisitas obras recientes, donde Aisenberg resignifica (entre otros) el género paisaje, y la amplia colección de cuadernos de artista que pueden verse en esta ocasión particular. Más que suficiente para volver a creer, sí, en los Reyes Magos (aunque sólo sea en un sentido mitopoético) y, sobre todo, en la pintura.

visite

http://00palacio00.blogspot.com/

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golden views of NY

Julia Sanchez por Andrea Koze

Julia Sánchez nació en Paraná, se crió rodeada de vegetación, cerca de la naturaleza y eso lo tiene arraigado como una necesidad.
Cuando llego a Buenos Aires en el 2004 comenzó a trabajar en los video; ella elije ese medio que le resulta familiar previamente trabajo en Paraná en un canal de televisión editando, porque contiene el “factor tiempo”,el desarrollo de una instancia; donde el movimiento que ella prioriza es un factor que en la pintura no encuentra.
Julia comparte esta pasión con varias mas, además de ser madre, es integrante del grupo” Las conchetinas” donde su rol consiste en mediar, equilibrar, ayudar en la toma de decisiones y fundamentalmente agregar el factor técnico en los dispositivos a exhibir y las instancias de interacción con el publico. Por otra parte es integrante del grupo musical “Hipnoflautas” donde impone el factor femenino, desde las letras, pero siempre lo más importante es favorecer la unión.

Julia se nutre para crear su obra, de charlas con amigos artistas, de videos musicales y de sus visita mensual a Paraná y pone su interés en investigar las técnicas de producción masiva.

En estos videos sin fin en loop , que le gustaría mostrar con tres pantallas cada uno sobre la pared como un cuadro en movimiento, sin sonido, en general con la cámara fija en un punto, como si alguien nos estuviera espiando como el video árbol cian , ella elige mostrarnos sutiles momentos de la naturaleza en movimiento o producidos, que los edita , agregando colores, distorsiones ópticas o tiñendo reflejos para alterar nuestro estado de percepción de la realidad ,hipnotizarnos ,cautivarnos con esos movimientos acompasados e infinitos, esa inquietante tranquilidad, esos colores vibrantes ,esos reflejos enceguecedores y LO COSIGUE.

Y la nave va de Federico Fellini

esculturas blandas

bienvenidos a participar dle kda sonoro 2009

katharine hamnett

1984 - remera con slogan diseño de katharine hamnett

nature morte

la madonna de dia en el mac de salta

algunos artistas

a veces mercedes pujana

pinola piensa

julia sanchez pintora

ballabriga sueña

leer en voz alta- poesia.

Marcos Torino por Nuria Kojusner

Gran Torino

 

 

 Marcos Torino  

Se define como pintor. Nació en el año 1983 en C.A.B.A.

 

Desde el 2002 estudió con Herrero en el Rojas, fue alumno de Waissmann,  y actualmente trabaja en el taller de Bazan, y asiste a las clínicas de Diana Aisenberg.

 

Una vez en su taller Marcos me muestra un trabajo anterior, y señala, que ahora pinta en soportes más grandes.

Las obras aparecen de a 2 o 3 dice, y las hago una atrás de la otra.

Que las planea o no, pero que existe la composición previa en su cabeza.

Reconoce pintar formas que repite. Y en estas nuevas obras tiene 2 cláusulas, colores mas vibrantes o con mas luz, y mas espacios.

En esta clínica, presenta tres trabajos:

 Dos telas de 2 x 1.5 mts. con fondo rojo y líneas que forman picos.

Es tu pintura abstracta? Le pregunto, y el niega rotundamente.

Los picos pueden ser montañas dice, y agrega que en los cuadros hay cosas de la naturaleza. Pregunto porque? Somos Naturaleza!, responde.

 La otra obra es un díptico, compuesto de dos telas de 1x 1.5 mts de fondo rosa. Una tiene un rectángulo bicolor y la otra tiene imagen abierta y esta en construcción.

Su publico es joven, sus referentes Kandinsky y Débora Pruden. Y en cada pintura, Marcos intenta generar alegría

 

 

Nuria Kojusner

06/05/09

animales pintados en otros tiempos

zurbaran
courbet,

sor juana, Katherine mansfield, silvina ocampo

acantilados para fede lanzi

historias del arte en ramona

RIAA 2009 - Residencia Internacional de Artistas en Argentina

Breve historia del proyecto RIAA – Residencia Internacional de Artistas en Argentina

Después de la crisis originada en el 2001, comenzó a resonar en el ámbito local argentino la idea de “residencias” de arte. Algunos artistas, galeristas e instituciones convocaban a replicar experiencias extranjeras. Comenzaban a funcionar residencias para uno o dos participantes invitados autogestionadas por artistas.

En 2004, Graciela Hasper (artista gestora de varios proyectos curatoriales y que participó de varias residencias internacionales) y Melina Berkenwald (artista con varios años de residencia en Londres donde realizó un PhD, y participó en distintas iniciativas de artistas y residencias internacionales), a partir de similares expectativas, sumaron a Jacoby (fundación Start, chacra99, proyecto Venus, revista ramona, entre otras) y Diana Aisenberg (con una vasta acción de transmisión en todo el país así como en el área visual del Rojas) con el fin de explorar un formato que contemplara las necesidades y deseos del momento actual.

Dos años de conversaciones con instituciones y profesionales argentinos e internacionales fueron necesarios para definir el formato, la financiación, la locación, los sistemas de selección, y las redes de artistas que hoy forman el reconocido espíritu de RIAA.

Se trata de 15 días en Argentina, con dos días de intensas presentaciones audiovisuales de obra abiertas al público general en Buenos Aires, y 12 días de residencia en el Viejo Hotel de Ostende de Pinamar.

El énfasis estuvo puesto en el contacto entre los participantes, la conversación y el conocimiento, sin obligación de producción de obra, aunque en todos los casos los invitados produjeron alguna pieza inspirados por los estimulantes espacios, materiales y situaciones generadas por la experiencia grupal y el entorno.

La fórmula resultó de un conjunto de criterios que no suele aplicarse frecuentemente en el sistema global de residencias: pluralidad generacional, de género, de trayectorias, de medios y de prácticas. Así, desde la primera edición de RIAA en 2006 han pasado por la experiencia más de 40 participantes llegados desde diferentes partes del mundo, y otros 40 argentinos, en una proporción pareja entre artistas de las provincias, Buenos Aires y sus alrededores.

La invitación de los artistas locales se encuentra a cargo de los fundadores del proyecto, y ha cuidado siempre la presencia de artistas pertenecientes a distintos ámbitos del país incluyendo uno o dos argentinos residentes en el extranjero. Los artistas internacionales son propuestos por consultores de cada país entre los que se encuentran curadores, artistas e instituciones.

Es conveniente destacar que el grupo organizador ha trabajado ad honorem, obteniéndose los recursos a través de variadas fuentes y múltiples colaboradores nacionales e internacionales desinteresados. Cabe señalar la ayuda de la fundación START otorgando representación administrativa y legal, la ayuda del CCEBA que además de becar artistas ha prestado sus instalaciones para las presentaciones de Capital Federal, y la excepcional disposición del Viejo Hotel Ostende, desde sus propietarios hasta cada uno de sus trabajadores, a través de su amabilidad, deliciosas comidas y gentil atención. Sin todos ellos RIAA no habría logrado la calidad paradisíaca que hoy se le reconoce.

Diana Aisenberg, Melina Berkenwald, Graciela Hasper, Roberto Jacoby. Marzo 2009

III. Comunicación (fragmento) *

La música contemporánea        no es la música del futuro

                              ni la música del pasado                      sino simplemente

música que está con nosotros:           este momento,                    ahora,

este ahora momento.

Este momento siempre está cambiando.                      (estaba en silencio: ahora estoy

hablando).             Cómo es posible definir lo que es la música contemporánea,

si ahora no la estamos escuchando, escuchamos

una conferencia sobre el tema. Y no es eso.

Esto es "hablar por hablar". Lejos como estamos en este momento de

la música contemporánea (estamos solamente pensando en ella) cada uno de

nosotros piensa sus propios pensamientos, su propia experiencia, y cada

experiencia es diferente y cada experiencia cambia y mientras

pensamos estoy hablando y la música contemporánea está cambiando.

              Cambia como la vida.                         Si no estuviese cambiando

estaría muerta, y, claro, para algunos de nosotros              a veces

lo está, pero en cualquier momento cambia y está de nuevo viva.

Cuando apartamos la música de la vida lo que obtenemos es arte (un compendio

de obras maestras). Con la música contemporánea, cuando es de veras 

contemporánea, no tenemos tiempo para hacer esa separación (que 

nos protege de vivir) y así                     la música contemporánea no

es tanto arte como vida y cualquiera que la construya en cuanto

termine una pieza empezará otra igual que la gente

sigue fregando platos, lavándose los dientes, sintiendo sueño,

etc., etc.                           Con mucha frecuencia nadie sabe que

la música contemporánea  es o podría ser arte.              Simplemente piensa que es

irritante.                               Irritante de un modo u otro,

o lo que es lo mismo, que nos salva de la osificación.

                                 Para cualquiera de nosotros la música contemporánea

es o podría ser un modo de vida.

Se me ocurren varias historias que me gustaría interpolar

(de la misma manera, por cierto, que mientras escribo esto que

ahora enuncio, el teléfono no para de sonar y entonces tiene lugar

una conversación contemporánea en vez de esta especial manera de 

preparar una conferencia).                                    La primera historia

es del Evangelio de Sri Ramakrisna.                        Su vida y sus palabras

habían impresionado a un músico que empezó a pensar que debería dejar

la música y convertirse en discípulo de Ramakrisna. Pero cuando lo propuso,

éste dijo: de ningún modo.                                  Continúa siendo 

músico: la música es un medio de transporte rápido.

                               Es decir, de transporte rápido a la vida "eterna",

o lo que es lo mismo, vida, periodo.                                                 Otra historia es que

en cuanto supe que tenía que dar esta conferencia consulté

el Libro de las mutaciones y al lanzar una moneda obtuve el hexagrama

influir, estimular.                              Seis arriba significa que la 

influencia se muestra en las mandíbulas, las mejillas, la lengua y el

comentario dice: el modo más superficial de tratar de influir 

a otros es mediante la charla que no tiene sustancia. La 

influencia proucida por ese mero hablar por hablar debe necesariamente

permanecer insignificante.                         Sin embargo, estoy en

desacuerdo con el comentario.                       No veo la necesidad de poner

"sustancia" detrás del hablar por hablar.                                                      No veo que el

hablar por hablar sea más significativo o insignificante que cualquier

otra cosa.                                                      Me parece que es simplemente una cuestión

de seguir hablando, lo que no es ni significativo ni insignificante,

ni bueno ni malo, sino simplemente resulta ser la manera en la que ahora mismo

vivo que es dando una conferencia en Illinois lo que nos devuelve

a la música contemporánea.                                 Pero de nuevo

con lo nuestro y volviendo al Libro de las mutaciones: el hexagrama de la gracia

(que es el hexagrama del arte)                                     se ocupa del efecto de una obra

de arte                                                   como si fuese una luz que brillara sobre una

montaña penetrando hasta cierto punto la oscuridad circundante.

                          O lo que es lo mismo, el arte está descrito como algo esclarecedor,

y el resto de nuestra vida como algo oscuro.                                Naturalmente discrepo.

Si una parte de la vida fuese lo suficientemente oscura como para no permitir

la entrada a la luz del arte, querría estar en esa oscuridad, a tientas si fuera

necesario, pero vivo                                  y yo creo que la música contemporánea 

estaría también ahí en la oscuridad, tropezando con cosas, haciéndolas 

caer y en general sumándose al desorden que caracteriza

a la vida (si se opone al arte) más bien que sumándose al

orden y a la estable verdad de la belleza y del poder que caracterizan

una obra maestra (si se opone a la vida).                  ¿Y lo hace?                     Sí

Lo hace.                                    Obras maestras y genios van juntos y cuando al

correr del uno al otro hacemos que la vida sea más segura de lo que

en realidad es                 corremos el riesgo de no conocer nunca los peligros de

la música contemporánea                             o                     ni siquiera ser capaces de beber

un vaso de agua.

* Extraído de SILENCIO - John Cage

Música experimental *

Antes, cuando alguien decía que la música que yo presentaba era experimental, protestaba. Me parecía que los compositores sabían lo que hacían, y que los experimentos fueron llevados a cabo antes de terminar la obra, como los bocetos preceden a las pinturas y los ensayos a las

* Del libro Silencio de John Cage

Fragmentos escogidos de los Diarios de Sylvia Plath

23 de febrero, domingo por la noche. Este debe de ser el vigésimo sexto 23 de febrero que he vivido: más de un cuarto de siglo de febreros y ¿querría o podría cortar una rebanada de recuerdos que los atravesara todos, para trazar la escalera de caracol de mi ascención hasta el estado adulto..., o se trata más bien de un descenso? Tengo la impresión de haber vivido lo bastante para pasarme el resto en meditaciones, revisando los encuentros y desencuentros con gente loca y cuerda, estúpida y brillante, hermosa y grotesca, infantil y antigua, fría y caliente, pragmática y dominada por los sueños, muerta y viva. Mi casa de días y máscaras es lo bastante rica para que pueda y deba pasarme años pescando, sacando a la superficie los monstruos de ojos perlados, córneos, escamosos y llenos de algas que llevan mucho, muchísimo tiempo hundidos en el mar de los Sargazos de mi imaginación. Siento cómo me agarro a mi pasado como si fuese mi vida: haré de él mi ocupación futura; cualquier talla en madera de un simio, sin especial trascendencia, cualquier trozo de cristal naranja y morado de la ventana del descansillo de la escalera en casa de mi abuela, cualquier azulejo exagonal blanco de cuarto de baño encontrado por Warren y por mí cuando cavábamos, dispuestos a llegar hasta China, se convierte en algo radiante, con magnetismo, que absorve significado y brilla con impensada importancia; hay que desentrañar la adivinanza: ¿por qué cualquier cordón de zapato de una muñeca es una revelación? ¿Y cualquier sueño con una caja de deseos una anunciación? Porque son las reliquias enterradas de mis identidades perdidas, con las que he de construir, por medio de palabras, los edificios futuros. (...) He comprendido místicamente que si leo a Woolf, si leo a Lawrence (¿por qué esos dos? su visión, tan diferente, es tan parecida a la mía) puede llegarme la comezón que me encienda hasta producir una gran obra: llena de brotes, encinta con la sustancia y la textura de la vida: ésa es mi vocación, mi obra. Eso da a mi ser un nombre, un significado: "hacer del momento algo permanente".  

sábado 28 de febrero de 2009

La mudadora, 6 ta edición "Doble Circulación"

Registro Fotográfico de Instalación Performática , Cristina Coll y Juliana Ceci

Fotografías: Wálter Álvarez

http://www.lamudadora.blogspot.com/

La mudadora 6 ta edición

domingo, 22 de marzo de 2009

La Mudadora 6 ta edición

Sonia Neuburger, Pablo Caracuel, Claudia Toro, Andrea Fasani, Marianela Depetro, Veronica Olivieri, Marcela Sinclair, Maja Lascano, Alejo Rotemberg, Cristina Coll, Juliana Ceci,

Andrea Vazquez

Hoy de 16 a 20 hs
Larrea 226

La Mudadora es un colectivo de artistas plásticos, que hace intervenciones en lugares privados, en transición, en situación de mudanza. Lugares que por un único día abren sus puertas y se hacen públicos.

Sobre la responsabilidad del artista (fragmento) *

En las películas que he realizado hasta la fecha, siempre he querido hablar acerca de personas que, dependiendo de otras, es decir, no siendo libres, supieron conservar su libertad interior. He mostrado personas aparentemente débiles. Pero también he hablado de la fuerza de esa debilidad, una fuerza que emerge de sus convicciones morales.

Stalker es una persona aparentemente débil. Pero a él, precisamente su fe y su deseo de servir a los demás, le hacen invencible. Al fin y al cabo, un artista no ejerce su profesión para contar algo a alguien. Quiere más bien demostrar a los hombres que quiere servirles. Me sorprendo una y otra vez  cuando los artistas expresan la opinión de que ellos mismos se van creando en libertad. El artista tendría indefectiblemente que convencerse de que él es una creatura de su época y de las personas que lo rodean. Ya Pasternak lo decía:

"No duermas, artista, no duermas

y al sueño, artista, no te entregues,

Eres el azote de la eternidad,

prisionero del tiempo..."

Si el artista consigue crear algo, en mi opinión es sólo porque con ello satisface una necesidad ya existente de los hombres, aun cuando no sea consciente de ello. Y por eso siempre vence, siempre gana el espectador, mientras que el artista siempre pierde, siempre abandona algo.

Una vida absolutamente libre, en la que se pueda hacer o dejar de hacer lo que uno quiera, según capricho, es para mí algo realmente inimaginable. Por el contrario, yo me veo obligado a hacer siempre aquello que en un periodo determinado de mi vida me parece lo más importante, lo necesario. La única comunicación adecuada con el espectador es ésta: permanecer fiel a sí mismo.   

* Esculpir en el Tiempo - Andrei Tarkovski

en el mac- diana asienberg- foto marcos torino

escuela /salta diana aisenberg

adoracion a la madona protectora de la pintura
daniel abate, diana aisenberg, rodrigo cañas
antes de inaugurar
MAC salta, argentina

Sobre el proceso creativo (*)

Notas inéditas escritas a mediados de la década de 1960

Hay una separación profunda entre la primera visión creativa de una obra y el resultado final; a menudo se tarda años en lograrlo. Por ejemplo, las formas huecas comenzaron a aparecer en mi obra como elementos secunadarios. Pero fueron adquiriendo importancia hasta que su conciencia cristalizó tras visitar las cuevas de Lascaux: allí vi la manifestación visible de una forma negativa envolvente, producida por el torrente de agua que había dejado sus ondas sobre el techo: mi preocupación esencial había sido constante, pero me había llevado siete años desarrolarla y conferirle su forma final.

Ha existido un proceso similar que de forma gradual avanza desde la rigidez hasta la maleabilidad. Cuando se me pidió que tallase la cara dorsal plana de una estatua llamada Spring, que estaba concebida como una rígida cariátide, me resultó imposible hacerlo: entonces me parecía que la rigidez era algo esencial. Hoy me parece fútil  y se ha desvanecido. Mi obra pasada luchaba, se resistía y permanecía desafiante; mi obra más reciente, en la que las tallas han sido sustituidas por el modelado y la construcción, puede rodar, desgastarse y arraigarse en una existencia pacífica.

Si bien los títulos de mis piezas se refieren a la naturaleza o a la figura humana, no son abstracciones en el sentido estricto del término. En su lugar, surgen de un estado de conciencia provocado por una visión revelada y efímera de la naturaleza. Su carácter esquivo me impulsó el deseo de fijarla artísticamente por miedo a no volver a encontrarla. Si la obra encierra alguna magia, la considero fructífera. Hay gente que sostiene que el artista quiere imponer su visión personal a los demás, pero, de hecho, el propio artista sólo la ve con claridad a partir de la obra acabada. Cuando la ve, sabe que ha concluido su trabajo.

(*) Louise Bourgeois - Destrucción del padre / Reconstrucción del padre

sei tu

RE-WORK

jueves 5 de marzo de 2009 19 hs en Jardín Oculto, Venezuela 926 San Telmo, Argentina

Octavio Garabello Borus, Natalia Cristófano, María Ibañez Lago, Federico Lanzi, Alina Perkins, Adriana Minoliti

"Tomamos como pulpos lo que tenemos a nuestro alrededor para ingerir, devorar y devolver otra cosa, pero cómo / qué / porqué se genera ese archivo, ese banco de datos en cada uno?...(Archivo).
Mi supuesto, a la manera de la antropofagia brasilera, es que ésta interacción de elecciones y devoluciones, de idas y vueltas, genera el intersticio donde cada persona revela su mecanismo, como un cpu abierto. El proceso ante todo... (Procesa).
Arrancamos con pintura sobre pintura, mi propuesta fue una intervención sobre imagen de
otro. Lo sucedido me sorprendió: la profundidad de la contraseña mas allá de usuario, medios y soportes, el gesto de la consigna despojado de cualquier prejuicio, se reveló inconmensurable...(Explora).
Mi convocatoria responde al interés de ver de cerca como se trabaja sobre la base de esta consigna, como funcionan sus cabezas, y me quedo feliz, pasmada en cada visita a los talleres, verificando esta hipótesis que no pretende otra cosa que sumar un eslabón."
AM

La jornada del músico (*)

El artista debe regular su vida.

Aquí tienen el horario detallado de mis actividades diarias:

Me levanto a las 7.18 h; inspirado: de 10.23 a 11.47 h. Almuerzo a las 12.11 h y me levanto de la mesa a las 12.14 h.

Saludable paseo a caballo, en el fondo del parque: de 13.19 a 14.53 h. Otra inspiración: de 15.12 a 16.07 h.

Ocupaciones diversas (esgrima, reflexiones, inmovilidad, visitas, contemplación, destreza, natación, etc.), de 16.21 a 18.47 h.

La cena se sirve a las 19.16 y se termina a las 19.20 h. A continuación, lecturas sinfónicas en voz alta: de 20.09 a 21.59 h.

Me acuesto normalmente a las 22.37 h. Una vez por semana, despertar sobresaltado a las 3.19 h (los martes).

Sólo como alimentos blancos: huevos, azúcar, huesos rallados; grasa de animales muertos; ternera, sal, coco, pollo cocido en agua blanca; mohos de fruta, arroz, nabos; morcilla alcanforada, pastas, queso (blanco), ensalada de algodón y algunos pescados (sin piel).

Me hiervo el vino, que bebo frío con zumo de fuchsia. Tengo apetito: pero no hablo nunca comiendo, por miedo a atragantarme.

Respiro con cuidado (poco cada vez). Bailo muy raras veces. Cuando ando, voy por los lados y miro fijamente atrás.

Muy serio de aspecto, si me río es sin querer. Y siempre me disculpo por ello con educación.

Sólo duermo con un ojo; tengo un sueño muy duro. Mi cama es redonda y perforada por un agujero para que pase la cabeza. Cada hora, un criado me toma la temperatura y me pone otra.

Desde hace tiempo estoy abonado a una revista de moda. Llevo un gorro blanco, medias blancas y un chaleco blanco.

El médico me ha dicho siempre que fume. A sus consejos añade:

- Fume, amigo: si no, otro fumará en su lugar.

(*) Erik Satie. Memorias de un Amnésico y otros escritos

comienzan las presentaciones, se recomienda asistir.

RIAA - RESIDENCIA INTERNACIONAL DE ARTISTAS EN ARGENTINA
CUARTA EDICIÓN - marzo 2009
www.proyectoriaa.org

RIAA es una residencia de arte de dos semanas en el que un grupo de aproximadamente veinte artistas del país y del exterior se encuentran en un lugar distinto del habitual. La residencia comienza con presentaciones audiovisuales de los artistas invitados en Buenos Aires, y culmina en una tarde abierta de exhibición fuera de la ciudad. RIAA promueve el diálogo y las colaboraciones entre artistas, haciendo énfasis en el intercambio de información y conocimientos dentro de un ámbito grupal.


Presentaciones audiovisuales de los artistas invitados
9 y 10 de Marzo de 15:00 a 20:00 horas (intervalo de 17:00 a 17:30)
Esta actividad es gratuita y abierta a todo público
CCEBA, Centro Cultural de España en Buenos Aires
Paraná 1159, Ciudad de Buenos Aires.

Lunes 9 de marzo
15:00 Leopoldo Estol (Buenos Aires)
15:30 Daniel Medina (Venezuela)
16:00 Christine Mackey (Irlanda)
16:30 Andrea Elías (Tucumán)
17:00 Intervalo
17:30 John Stoney (EEUU)
18:00 Terence Gower (Canadá)
18:30 Leslie Johnson (Suecia)
19:00 Leandro Katz (Buenos Aires)
19:30 Ana Gallardo (Rosario, Santa Fe)

Martes 10 de marzo
15:00 Laura Glusman (Rosario, Santa Fe)
15:30 Omar Puebla (Ecuador)
16:00 Catalina León (Buenos Aires)
16:30 Yukie Hori (Brasil)
17:00 Intervalo
17:30 Sebastián Gordín (Buenos Aires)
18:00 Luz María Bedoya (Perú)
18:30 Cristián Silva (Chile)
19:00 Julio Grinblatt (Buenos Aires, vive en NY)
19:30 Dómenec (España)



CRONOGRAMA GENERAL DEL PROYECTO

● 9 y 10 de Marzo
Presentaciones audiovisuales de los artistas participantes.
Centro Cultural de España en Buenos Aires, Calle Paraná 1159.

● Del 11 al 21 de Marzo
Los artistas trabajan en Ostende, Pinamar.

● 21 de marzo
Tarde abierta para visitar a los artistas y ver obras realizadas.
Viejo Hotel Ostende, Av. Biarritz esquina Cairo, Ostende, Pinamar.


COLABORADORES Y SPONSORS DE RIAA 2009
RIAA es un proyecto independiente gestionado por artistas que ha sido posible gracias a la ayuda de diversas entidades públicas y privadas entre las que se encuentran:
American Center Foundation, Basso Brovelli Agencia de Ideas, Beca AMA (Chile), Bodegas Chandon, Centro Cultural Recoleta, Estar del Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), Centro Cultural de España en Lima (CCE), Centro Cultural São Paulo (CCSP), Asociación de Amigos del Centro Cultural São Paulo (AACCSP), Centro Cultural de España en São Paulo (CCESP), Asociación de Amigos del Centro Cultural da España en São Paulo (AECID), Culture Ireland, Leitrim County Council Arts Office, Roscommon (Ireland), Centro de Estudios Argentino-Canadiense de Buenos Aires (CEAC), Embajada de Canadá, Embajada de España, Espacio Tucumán, Espacio Fundación Telefónica de Argentina, Estudio Mazzocchi de traducción e interpretación, Fundación Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros, Fundación START, Grupo Plaza, Grupo Gastronómico de Buenos Aires, Ministerio de Cultura del Ecuador, Municipalidad de Pinamar, Revista ramona, Tranvía Cero (Ecuador), Triangle Art Trust de Inglaterra, University of Texas at Austin, Valand School of Fine Arts - University of Gothenburg, Viejo Hotel Ostende, Galería de arte Daniel Abate, Galería Ruth Benzacar, Faría Fábregas Galería (Caracas), Henrique Faría Fine Art (New York), coleccionistas y otros colaboradores particulares.


INFORMES Y CONSULTAS
info@proyectoriaa.org
Tel 15 5114 4576 (+54911- 5114 4576)
www.proyectoriaa.org

miren!

Cómo se que algo me interesa

Aparece en los sueños- Aparece en distintos lugares donde no lo esperabas- Busco más informaciones internet- Cuando lo esquivo- Da continuación a un saber, hace historia en mi- Despierta mi memoria- Habla de mi o de mis amores en mi.- Hago un blog- Lo supe, siempre lo supe- Me hipnotiza- Me agarra taquicardia- Me ata al mundo- Me atemoriza
Me desvela- Me doy cuenta que habla de mi- me guía- Me linkea me une- me marca un camino- Me pongo a pintar- me pongo Hot- Me quiero quedar- Me recuerda a mi misma
Me resuelve- Me sumerjo- No puedo parar- No te suelta- Por aborrecimiento- Por alguien, por algún ser amado o deseado- por Atracción- Por Excitación- Por ignorancia
por Insistencia- Por transito lento- Porque ahí estoy- Porque lo hago- Porque si
Quiero quedarme ahí- Quiero salir de casa- Resulta inevitable- Saco fotos- Se me escapa
Se me para el corazón- Siento ansiedad por el desconcierto- Siento dolor de panza- Siento ganas de mirar- Siento haber llegado a algo- siento la Fuerza electromagnética - Sube mi adrenalina.
ir a anexo acuatico
mas info

Temas de interés

El analisis de la obra contemporánea
El Art deco
El Best seller
El Boggie Boggie
El bosque
El conejo
El desierto
El mobiliario
El novecento
El paisaje romántico
El paraíso
El relax
Humor popular
La Arquitectura y pensamiento
La Descripción organizada de la construcción de la realidad a partir del sujeto
La disciplina
La domesticación del hombre
La imagen en movimiento
La Música
La musica y el caos
La organización de las cosas en el espacio y que es lo que produce.
La risa
Las grullas
Las relaciones
Las secuencias de imágenes-las historieta extendida-
Los animales
Los navies
Los simbolistas
Todo intento de realización como mapa del universo

Fiesta en Belleza y Felicidad Fiorito

La muestra podrá visitarse durante el mes de febrero.

No se la pierdan!!!

para ir , mañana a las 14 en once,

colectivo 32-(calle 21), bajarse en Larrazabal y Ribera Sur!!!!!!

Registro fotográfico-Curriculum 0 2008

Obra de Leonel Pinola

Obra de Juliana Ceci

Registro Parcial de la muestra Curriculum 0 , 2008, Galería Ruth Benzacar

Fan / Radar

Radar

Domingo, 11 de Enero de 2009

FAN > Un artista elige su obra favorita: Leonel Pinola y los pizarrones de Diana Aisenberg

La escuela argentina

Por Leonel Pinola

Hubo un miércoles del invierno del año pasado en que llegué más temprano de lo habitual. Diana estaba trasladando de un cuarto a otro una de las obras en la que estaba trabajando. Uno de los primeros pizarrones de la serie se encontraba aún en la sala más amplia. Recuerdo que me quedé varios minutos con la mochila y el abrigo puestos mirándolo.

En el bastidor, pintado con pintura para pizarrones verde, estaba escrito con tiza gran parte de la lista de colores con la que trabajábamos en el taller: celeste cielo, habano, lacre, maíz, café, rosa viejo, verde musgo, chocolate, ciruela, durazno, verde loro, negro ratón, natural, cremita, amarillo limón, verde botella, azul petróleo, gris perla, piel, amarillo huevo, salmón, rosa chicle, camel, mostaza, ladrillo, gris topo, verde manzana y coral. No sé cuánto tiempo pasó hasta que Diana vino a buscar ese pizarrón, creo que le pregunté si había otros, hablamos un poco y me contó sobre la dificultad de fijar la tiza y sobre las varias recetas que le había sugerido Elsita para solucionar este inconveniente.

Meses después, volví a ver la serie en la muestra Escuela en el Centro Cultural Recoleta. Y esta vez, frente a los pizarrones, me pregunté: ¿Existe verdaderamente una escuela argentina? De ser así, creo que la constelación que la constituye está originada por una red de vínculos privados y afectivos. Y los pizarrones vendrían a ser el tratado de ese pacto secreto de amor que constituimos con nuestras maestras y maestros. Parado ahí, frente a los pizarrones, recordé mí primer día de clase en lo de Diana. Ese día me dio el primero de los ejercicios que realicé: escribir mi nombre completo de arriba hacia abajo, en diagonal, en espiral, con la mano izquierda, con la derecha, en espejo, de abajo hacia arriba, gigante, diminuto, con todos los pinceles que tenía y con todos los colores que encontrara posibles. Pensé también en los que siguieron: copiar la imagen desde su ausencia, copiar el aire y no el objeto... Más tarde vino el ejercicio de hilar distintas situaciones con una línea continua como si el ojo zurciera cada objeto y cada persona que recorre. Hubo un día en que pinté el agua, el fuego, el aire y la tierra asignando una mancha para cada elemento, otro en que intenté reproducir sólo los bordes de una obra de Henri Matisse, aprendí a ver las manchas que conforman cada objeto desde dentro hacia fuera y perseguí la línea infinita hasta la fascinación.

De alguna manera los pizarrones de Diana dan cuenta de una genealogía, de una historia del arte argentino que nos incluye y nos excede. Los pizarrones son el origen de una escuela, la piedra basal, el centro magnético hacia donde dirigimos nuestras primeras miradas para entender el mundo. Creo que en esos pizarrones permanece algo del asombro de los alumnos de Spilimbergo y de los de Pettoruti, que en algunos de los restos de tiza de color está la voz de Pablo Suárez en los talleres de Barracas, la de Lucio Fontana en el taller Altamira, la de Tulio de Sagastizábal y la de Guillermo Kuitca.

Un tiempo después los pizarrones volvieron al taller. Era miércoles a la tarde y todavía había una luz de verano. Yo estaba pintando sobre una carpeta escolar y Diana le pasaba la “lista de colores” a una nueva alumna. Los pizarrones estaban cerca y con ellos me reconocí en casa.

El mundo es un aeropuerto. El aeropuerto son tus ojos

Todos los lugares son de tránsito, inclusive el hogar. Parece que la vida es un viaje pasajero que empieza en un vientre y termina en una tumba. Y los viajes nos transforman, los tránsitos van marcando, sellando, remodelando o suspendiendo una identidad.
Lorena Marchetti parece despegarse de la idea acuñada en las últimas décadas del Siglo XX sobre los espacios de tránsito como aquellos en los que toda identidad quedaba borrada justamente por ese carácter transitorio de existencia: un aeropuerto, la habitación de un hotel, un largo pasillo en algún gran museo del mundo[1].
Así, viendo las fotos de Lorena y escuchándola podemos pensar que puede quedar atrás esa ilusión posmoderna de la ausencia de una identidad o de la imposibilidad de apropiación de espacios, aromas, ritmos, colores, objetos de un determinado lugar en un determinado momento sólo porque los llamamos “de tránsito”. Todos tenemos en nuestras memorias un instante supuestamente pasajero que marcó nuestra identidad para siempre. Lo pasajero es una marca, lo pasajero es indeleble, permanente.
Sujetos somos los que hemos sido sostenidos y somos sostenidos por una mirada, por los ojos de otro y por medio de nuestra mirada también construimos ese mismo carácter de sujeto en los demás. Y en los objetos también ¿por qué no? Mirar un cielo que nos mira a su vez, contemplar una taza, un rayo de luz, un mantel, una esquina, un agujero, el borde de una mesa y que esos objetos nos devuelvan algo, nos sujeten de alguna manera. En las fotos de Lorena aparece esta sujeción, donde su mirada transforma, entifica e identifica al objeto retratado.
El mundo es un aeropuerto, un pasillo, un supermercado. Y estos son los ojos que nos construyen como idénticos y asimismo como diferentes. Esa cajonera empapelada de flores de la abuela de Lorena se parece cada vez más a un mercado central, a una habitación de hotel, a un vientre y a una tumba. A una mirada transitoria que nos sujeta.

Malena Pizani
Buenos Aires, 17 de diciembre de 2008

[1] Marc Augé acuñó la frase "no-lugar" para referirse a los lugares de transitoriedad que no tienen suficiente importancia para ser considerados como "lugares". Ejemplos de un no-lugar sería una autopista, una habitación de hotel, un aeropuerto o un supermercado. Extraido de Wikipedia, la Enciclopedia Libre.

Alina Perkins por Leonel Pinola

Jardín de gente

“Alguien debió conservar
y cuidar con amor este jardín de gente”.
Luis Alberto Spinetta

1.
Alina Perkins nació en diciembre de 1983 mientras las siluetas aun cubrían muchos muros de la ciudad de Buenos Aires.
En sus primeros años adoraba visitar el campo. De ésas visitas nació su colección de huevos de aves y su fascinación por trepar frondosos árboles.
Ahí vivía Pancho, su pony, que alguna vez le salvó la vida.
En el monte construyo casitas con living comedor y baño, tuvo un vivero y una fábrica de perfume.
Años más tarde, Alina Perkins hurgaba en los basurales tratando de rescatar joyas a medio quemar y en otro lugar de la ciudad Liliana Maresca montaba Recolecta.


2.
Como Nino Quincampoix, el novio de Amelie Poulain, Alina Perkins colecciona fotos encontradas.
A diferencia de Nino Quincampoix, la colección de Alina Perkins no incluye solo las fotos carnet sino también fotografías sin reconstruir, de tipo sociales, domésticas y fue creciendo con encuentros fortuitos en distintas ciudades del planeta.
Alina Perkins ordena su colección rotulando algunas fotos en las gruesas hojas negras del álbum con espiral. Su colección también es el futuro casting para el reparto de actores de sus cuadros.


3.
El sueño narcótico de Henry Rousseau parece rozar las pinturas de Alina Perkins, los retratados se van entremezclando con plantas y maleza.
Sus personajes vuelven a habitar las casitas del monte, con paredes que se enredan de tal forma que da la sensación de que viven un pacto de amor y fueran uno solo.
El piso de hojas que pintó Alina Perkins llega hasta la cintura de Diego , una palmera casi totémica se recorta en el cielo y las montañas dejaron de llorar hace un tiempo. A Alina Perkins le fascina Karem Kilimnik y a las chicas de las pinturas de Karem Kilimnik les fascinan los chicos de las pinturas de Alina Perkins.
En otras pinturas de Alina Perkins , en cambio, el vínculo parece voraz : a uno de los personajes le brota de su boca una especie de liquen y estremece tanto que hace pensar en Ofelia y en Laura Palmer algunos días después del agua.
Alina Perkins también pinta nuevamente sobre sus obras y la maleza crece sobre Sofía quien fuera su modelo.
A veces frente a la obra de Alina Perkins nos llega un poco el perfume que tiene el césped luego de la lluvia.


4.
Alina Perkins estuvo en Harlem y encontró familiaridad en una obra que había sido realizada a partir del caudal de ropa donada en el barrio.
Copérnico comienza a ser Copérnico porque cada retazo se une con el otro y en ése ejercicio Alina Perkins hace selecciones y conexiones entre la colección de su propia ropa en desuso.
Copérnico es casi un clochard vestido por un secreto patchwork sentimental.
Está calzado con un par de zapatillas que pertenecieron al ex novio de Alina Perkins y parte de su pantalón alguna vez fue una pollera que se exhibía en el local de ropa que tuvo su madre. En Copérrnico todavía orbitan los restos del naufragio entre un tiempo y otro.


5.

Alina Perkins escribe en los cuadernos que pinta. A veces sus pinturas son escenarios posibles , ella escucha el eco de lo que dicen sus personajes y entonces transcribe sobre el bastidor.
Alina Perkins también escribió y dirigió la obra El rinoceronte y la mesa durante la muestra Fotolog. Alina Perkins tenía cinco años y no asistió el día que Batato Berea recitó el poema Sombra de conchas al inaugurarse la galería del Centro Cultural Ricardos Rojas sin embargo parecen haber conectado. Alina Perkins escribió junto a Fernanda Laguna la obra El como es que se dice. Alina Perkins es actriz. Alina Perkins fue secretaria y una de las ninfas que adoró a la Madonna protectora de la pintura de Diana Aisenberg. Alina Perkins forma parte de Conchetinas. Alina Perkins me explica qué es Campopsí. Alina Perkins cuenta historias de amor. Alina Perkins llena la sala con sus pinturas, pronto el lugar será un jardín de gente y ya no estaremos tan solos.

Mario Caporali por Barsky

Tarde otra vez.Humedad.
El padre Mario -mi asignación- me esperaba en la terminal.
Mientras me conduce hacia ella menciona algo respecto a una busqueda morfològica que esta llevando a cabo. Debo conocer su obra.
El vehiculo se detiene. Llegamos.
-"Odio al mundo", me dice.

A 30 mts sobre el nivel del suelo, un criadero.
Seres recien nacidos que ensimismados practican torsiones, mientras reptan lentamente hacia otras criaturas.
Optimista, el padre Mario saluda los acomplamientos futuros con canticos de bienvenida.
Su legado responde al unisono con sonidos guturales.
Afuera una geisha corre.
Adentro, una voz en off explica el proceso en un idioma extraño.
Los encuadres resbalan hacia el intervalo entre las cosas,
y alli-desde el perímetro-, se abre una bifurcación.
-"¿Hacia donde conduce padre?", pregunto.

Sin prisa y como atendiendo un llamado, hace una pausa y sale al balcón.
Un gesto mínimo para q lo acompañe.
Como quien imparte una enseñanza,
-mientras corta una rama y la acerca hacia mí para q la huela-
contesta:
"Contenido en el arbol un monstruo;
en el repollo, una bandada de aves;
en la silla, la cabeza de un pene"

No comprendo -y me gusta-. Callo.
Continùa:
habla de un ritual biodiverso, aún en construcciòn.
tal vez un bosque, o en cualquier maceta.
Un viaje en macro hacia lo tactil de un mundo amplificado,
Un acto de divulgaciòn de combinatorias posibles.
lo conceptual y lo sensual, uno.
el brujo y nosotros, uno:
el fin de los envases.

Afuera,
nuevamente la geisha.
Corre y vomita. Da la alarma: -"Vienen a infectarnos"- grita.

Tal vez buscando abstraerse de tanta histeria,
el padre mario hace sonar sus gongs.

Silencioso y detras, un conjunto de arboles aguarda el momento.

Natalia Cristofano por Rafael Barsky

juliana ceci por diana aisenberg

Juliana Ceci, nació en la plata en 1979.
Vive y trabaja en Buenos Aires.

Juliana Ceci da clases en Belleza y Felicidad Fiorito y desarrolla un proyecto de gestión para hacer una muestra colectiva con intervenciones en el riachuelo. La muestra consiste en el registro de las acciones, es itinerante.

Da clases una vez por semana todos los sábados en Fiorito, a chicos de 5 a 13 años, de la villa local a partir de una muestra colectiva, también de autogestión junto a otros artistas- que nació en Unquillo, Córdoba, y mudó a la galería de Fernanda Laguna en Fiorito en el 2006, luego de haber pasado por Periferica.

Juliana participa en la mudadora desde hace muy poquito; la mudadora es un grupo de artistas que interviene espacios en transición, como casas abandonadas o a punto de ser transformadas.

La bibliotequita lunática es otro proyecto importante: mueble nómade.

Su taller se llama Las Dos Fridas, y es un local a la calle, que funciona como núcleo de acción para el resto de los proyectos asociándose con otros, por ejemplo con Belleza y felicidad.

Ya no le gusta dibujar con birome pero es una herramienta que la acompañó mucho tiempo generando muestras varias, invitando a otros artistas a usar el mismo medio, se podría decir que juliana CECI es una promotora de la birome.

La birome le dio paso al rotring implicando un pasaje a la línea limpia, quizá pura.
La cerámica: acá se interviene la tierra horneada, dibujos sobre superficie modelada por otra persona. Hoy ya hace sus propios moldes.

A veces sola a veces con otros como un latido dice, juliana es artista tiempo corrido.
Quieta y en movimiento y de eso habla. La pintura es como una pregunta, o varias preguntas, también van en grupo y no siempre se desprenden de un relato, de un transcurrir de la narración.

Le interesan los márgenes del espacio y los territorios, sin embargo esto no se refleja en las resoluciones formales en el plano. Considera a la birome un recurso marginal aunque como tantos otros perdieron su lugar en la oscuridad. Atravesando márgenes se encuentra realizando actividades sociales en relación al arte, y en relación al otro.
Otra Frida, otro lugar otra función del espacio.

Diana Aisenberg, 2008

Marcos Torino por Juliana Ceci

Marcos Torino tiene 25 años, estudio 2 años de diseño grafico. Actualmente trabaja como diseñador en la revista Guía Pocket Blog de la cual es editor junto con tres amigos.
La revista se estructura en torno a un tema y el contenido es de creación colectiva, via internet. Después pasa al papel en una tirada de 8 mil ejemplares 6 veces al año.

Encuentro algunas filiaciones de este proyecto con “Historias del arte”, de Diana y otros proyectos que están investigando formas de acopio de información colectivamente.

Estudia pintura con Sergio Bazan y Asiste a la clínica de obra de Diana Aizenberg.


En una casa grande, antigua, de paredes descascaradas, crecen alrededor de 15 artistas, cada uno en un espacio vegetal, con su regadera de ocres, su mesita achicharrada y la gran tela en espera.

Como cada artista que participa del taller de pintura de Sergio Bazan, Mario tiene derecho a un espacio en esta gran casa blanca-gris,lugar de discusiones, fiestas, lazos y amistades al cual concurre hasta 4 noches por semana, para pintar, luego de cenar en su casa.

Ama mucho a Kandinsky, y toma su libro “Sobre lo espiritual en el arte” como referente.
Es posible imaginar, dentro de las pinturas de Marcos, al Jinete Azul apartándose de las colinas de la figuración, tal vez como una cita respetuosa y afectiva.

Nombra principalmente artistas modernos… yo pienso en Jessica Stockholder.

Dice que esta intentando buscar nuevos elementos formales para su pintura además de la línea, a la que considera uno de los elementos más importantes dentro de la pintura abstracta, Mientras, mate en mano, lo miro desplegando y clavando sus telas, zumbando como una libélula verdosa.
En este fervor, y sin querer, Marcos superpone una pintura sobre otra, y yo observo maravillada lo bien que quedan.

Son tramas superpuestas, abundan los colores planos, bien definidos, a veces encerrados en celdas realizadas con líneas de colores contrastantes.
Pienso en las estampas textiles, y desde mi visita a su taller, ya no miro los locales de venta de telas sin pensar en su paleta.

Las pinturas emanan energía:
son panales volcánicos, frutas ortogonales, parabrisas fragmentados en un choque náutico bajo la nieve.
Sin embargo ninguna tiene título.


El me cuenta que pintar le da placer, disfruta mirando sus pinturas, lo hipnotizan.
Las tapa una y otra vez hasta que encuentra lo que le interesa,

Busca que sus pinturas transmitan una vibración positiva,
Sensaciones estimulantes, alimento de texturas, manos adentro de un colchón.

Hay que aprender a preguntarle a Marcos, le gusta hablar de colores, de líneas, de formatos, de cuestiones reales, perceptibles… lo imperceptible permanece aquí, en el terreno de la evidencia.


Esta visita me contó algo de la Pintura.
Remanso de sensibilidad. Paraíso y consuelo.
Espacios donde proyectar sueños, cuadros escupidos y tallados contra las paredes húmedas de una casa destruida.


http://www.marcostorino.blogspot.com/

curriculum 0

Muestra en la Oficina Proyectista

Este mes nos inunda de alegría invitarl@s a Solos y solas, nuestra muy especial muestra colectiva de fin de año, que inaugura el miércoles 3 de Diciembre y se podrá visitar durante todo el mes los días miércoles, jueves y viernes de 18 a 20 hs, de la que participamos juntos: Verónica Olivieri Pinto, Juana Neumann, Marianela Depetro, Filiberto Mugnani, Ignacio de Luca, Andrea Fasani, Marcela Rapallo, Luciano Subira, María Fernanda Rodrigo, Claudia Toro, Magdalena Jitrik, Juan Dothas, Carlos Rottgardt, Pablo Caracuel, María Jose Lascano, Mercedes Fidanza, Adriana Minoliti, Santiago Rey, Cristina Coll, Sonia Neuburger, Camilo Guinot, Alejo Rotemberg, Walter Álvarez, Guido Yannito, Marcela Sinclair, Juliana Ceci, Angel Jara, Sandra Pauli, Maria José Alvarez Hamelin, Laura Códega, Yamel Najle, Silvina Rotemberg, Mariana Cerviño, Johana Borchardt, Andrea Vazquez, María Ibañez Lago, Archivo Vivo, Marisol Fondovila, Josefina Zuain, Mercedes Bustelo, Gustavo Tabare y Kalle Brolin. La dirección es Perú 84, 6to piso, Oficina 82 , Ciudad Autónoma de Buenos. Argentina.El link a nuestro blog http://oficinaproyectista.blogspot.com/

Gabriela Gutierrez por Julia Sanchez

Tengo un problema, no se como mostrarles mis pinturas, mis dibujos... si pinto naturaleza... ¿porque se transforman en cuadros? Yo quiero pintar naturaleza de verdad. Yo quiero una cascada, no un cuadro de cascadas... o bien seamos átomos, formas, abstracciones, sino podemos pintar naturaleza, seamos pinturas.
Pintar portales, como en los paisajes de mary poppins, entrar de un saltito, sentarnos a tomar el te y que nos atiendan pingüinos, sería conveniente que no llueva o si, que la puerta al mar nos salpique refrescantes pixeles verdes, con olor a sal.
Y la cascada? bueno en la cascada esta Dios así que podemos sentarnos en un banquito de Iglesia. Vivencia del plano.
Que hermosas que son esas pinturas! son perfectas.

Marcos Torino en ODGP - Sabado 29/11

El Palacio del forrito

El Palacio del forrito

dia ahora

http://00palacio00.blogspot.com/

María Ibañez Lago por Virgina Spinelli

Ese pájaro omnisciente tiene voz. Canta los avatares, los asedios, las guerras, los amores, las alianzas, el llanto, las pasiones. Con su canto va tejiendo esa épica fundacional, de tiempo en que los hombres entendían el lenguaje de los dioses y eran dueños de espadas sabias. De tiempos en que los dioses bajaban de su constelación para confundirse con los hombres, portando rayos en sus manos.

Tiempos míticos, abandonados a la ficción , después que el rayo lejos de ser el atributo de algún dios, ha quedado aprisionado en un cable para ser solo electricidad capturada que alimenta máquinas. Desde entonces ese pájaro omnisciente parece haber callado.

A veces María, entrada en el silencio puede captarlo y seguir el flujo de su canto. Ese canto la llena de calma, traza su plan, que es cada vez mas claro desde que piensa en lo colectivo, y esto se traduce en alegría.

María sabe, que este pájaro dice aún lo que no puede ser dicho y que no debe esforzarse por entender cada palabra que le dicta, sino dejar que estas se revelen en sus imágenes mientras prueba nuevos colores, materiales, formatos, para volver a los conocidos transformada.

Andrea Koze por Carolina Spinelli

EL LENGUAJE DE LAS FLORES

La flor es la estructura reproductiva característica de las plantas.
Su función es producir frutos y semillas para lograr la continuidad de la especie.

Desde siempre las flores ocupan un lugar especial en la vida de las personas.
Han deleitado al hombre por su formas exquisitas, por la delicadeza de sus colores y fragancias.
En la antigüedad, algunas eran consideradas manifestaciones de divinidad, tesoros preciados, usadas para ofrenda y veneración.

El mundo de Andrea Koze esta lleno de flores.
Pinta y dibuja con un preciosismo amoroso, flores con oleo, acrílico, marcadores, lapices de colores, sobre tela, bastidores, chicos, grandes, dipticos, sobre papeles ya impresos, sobre vidrios. Y ahora también las modela.
Y lo hace como si pudiera hacer florecer cualquier superficie.

Flores silvestres en el campo movidas por el viento,
margaritas que hipnotizan entregando su belleza,
detalles de su aparato reproductor, lo femenino, la fertilidad,
retratos de flores en su esplendor,
pétalos que se abren al sol para ser contemplados
o a la espera de la visita de un colibrí.


El significado de las flores.

Todas cuentan con un lenguaje propio, y con cada una de ellas podemos transmitir un mensaje diferente.

Andrea sabe y le interesa la composición de cada una.
Cuantos estambres, cuantos pétalos, de que familia botánica son, si son compuestas o simples, como es su simetría.
Pero se sumerge en el placer de pintarlas, en el color, en la materialidad, en la composición, en la delicada observación de las formas.

también sabe de su significado simbólico, desojar inocentemente la margarita para ver si nos quieren mucho, poquito o nada,
regalar rosas para expresar amor, el floripondio que alucina, la pasión del girasol, la pureza del lirio, la perfección iluminada del loto, la delicadeza femenina de la magnolia, el amor desesperado del nomeolvides, los recuerdos del pensamiento, la ninfa que se escapó de la lujuria de Apolo y se convirtió en una violeta.

Las flores en su obra son protagonistas, están ahí con su presencia y todo lo que cuentan.

Como hay Rosas de luxanburgo, reinas Margaritas, Azucenas Villafor, Violetas Rivas, y Petunias pig, ella titula sus retratos de flores con nombres de mujer. Kim, Sofia, Anette, Marina, Olivia.

Flor como símbolo.

Sobre empapelados de estampados pasados de moda, dibuja emblemas japoneses, llamados Kamon, insignias de los diversos clanes que existieron durante el periodo feudal.
La simbologia de cada escudo-flor identifica a una familia imperial.
El estilo lineal y estilizado en blanco y negro, con el diseño impreso industrialmente en el empapelado, hace un cruce de las diferentes representaciones iconograficas del tema flor.
Lo decorativo y lo emblemático se superponen creando una nueva imagen.

Sobre el frente del edificio de una galería, dibujó metódicamente flores con marcador en una base de empapelado floreado.
Flores sobre flores intervienen y envuelven la fachada entretejiendo un jardín colgante.

Una nueva serie de grandes cuadros al oleo. Las formas se simplifican, el color estalla y magnetiza.
La flor desde la visión de Andrea, quizás su esencia?
El zen dice que El hombre contempla la flor. La flor sonríe.
Yo sonrío delante de sus cuadros.

Caro Spinelli
Noviembre 2008

campeones de metegol tom y marcos

moris es amigo de kda

Noelia Yagmourian / Jueves 13 Nov 19 hs / Juana Casa

Noelia Yagmourian / Acumulación de desconcertados ordenes / Limite Sud

mmmm en vivo / KDA 08

Malena Pizani en Crimson. Viernes 7 de Noviembre a las 19hrs.

Casi anónima sonríes
Y el sol dora tu cabello
¿Por qué para ser feliz
hará falta no saberlo?
Fernando Pessoa



RETORNO Y VENGANZA DE LAS DECAPITADAS
La danza del olvido.


-yo vivo, porque vivo.
-claro, nosotras también.

Estudiar, entender, saber, conocer, amar. Conocer, dice el viejo testamento, es hacer el amor. Adán conoció a Eva.
¿Quién piensa: el cerebro o el hombre? Mis manos son cabezas dice Male. Una cabeza en cada dedo. Murmullo y manantial. Si el murmullo llegara a ser Uno. Un murmullo. Invocar un paraíso en el que no se cree, un estado de iniciación sin exigencia.
Isla bosque a la que se llega andando.

Cabezona: cabeza de agua, macrocéfala, cabeza hinchada, estructura blanda, llena de nada, sol de oro, bola de luz. Materia dorada, ley del conocimiento.
Conjuros de la melancolía.

Niñas en un bosque acotado, isla oculta de la vida. Cabezonas sin edad y con el pensamiento fatigado, olvidadas de sí. Agachadas, con la cara tapada, con la mano en el bolsillo, por agarrar algo, mirando, a veces rezan.
Esperan atentas, señalan. Esperan algo. Lo que está por venir.
Reposo, caída y contemplación. Más allá de las letras. Más allá de alabanza y censura.
¡¿Que tendrían en común con gatos y lobos?

La lectura: remarcar, subrayar, escribir en los libros, dibujarlos. Hacerlos circular, la danza. La música tranquiliza la mente, la danza descansa. Foto música dibujo pintura bordado escultura. La danza.

En algún lugar de la mesa crecerá una planta y apuesto a que de esa cabeza nacerá un bebé.
D-a-r-a-l-u-z.
La inocencia, el niño y el olvido.

Diana Aisenberg, 2008.

gabriela gutiérrez en La Casona! este sábado con deliciosos daiquiris

Federico Lanzi por Noelia Yagmourian

A Fede le gustan los números impares, porque son abiertos, dejan múltiples posibilidades. El 3 está dentro de sus preferidos, me cuenta que no es como el 4 por ejemplo que es un cubo sino que el 3 es un ángulo. A Fede le gusta esa relación cuando piensa en la lectura de su obra. El tres aparece en diferentes ocasiones, fueron 3 los artistas que trabajaron en la muestra “Visita el bosque de espejos y las catacumbas calefaccionadas submarinas” y “3” es el titulo de una muestra que realizó recientemente en Paraná.
Trabajo colectivo
Me confiesa que fue revelador el trabajo colectivo que realizo con Natalia Cristofano y Maximiliano Bellman en la muestra “Visita el bosque de espejos y las catacumbas calefaccionadas submarinas”. Descubrir otros mecanismos de trabajo derivó en una obra orgánica, donde la transformación colectiva en el proceso de trabajo era constante y asombrosa y a su vez aparecían climas planteados previamente.
El disfruté y el “mientras tanto”
Fede descubre el “mientras tanto¨ de sus trabajos anteriores. Llamamos ¨mientras tanto¨ a todo el proceso que existe entre la idea y el proceso para concretar la obra. Actualmente otorga un nuevo valor a los trabajos que realiza y surgen en el proceso de hacer las pinturas: fotos, dibujos impresos en papel, collages.
Aparecen otras posibilidades en su obra como el video, fotografías que incluyen música, escenografías, objetos.
Las pinturas son el resultado de un trabajo previo conformado por numerosos pasos:
Busca imágenes en diferentes archivos, las mismas provienen de internet, libros, fotos tomadas por el, etc.) , edita, nueva imagen en formato digital, impresión, dibujo, escaneo, impresión, dibujo.
En esa búsqueda el artista tiene en cuenta, la relación de los colores, la desproporción de los elementos que componen la imagen, las escalas, las formas de los paisajes, las posturas de las personas.
Las divido en 2 grandes grupos, las de pequeño formato y las que realizó más recientemente de tamaño mayor.
Las obras de pequeño formato Fede las organiza en forma de grilla, conformando un bloque de cuadraditos, permitiendo un modo de lectura occidental de izquierda a derecha. Relacionando un trabajo con otro surge el relato. Fede nos presenta su mundo….
Segundo grupo: pinturas formato mayor:
Son las más recientes, se desprende de la grilla y ahora se fusionan los paisajes y las personas / personajes en una sola obra de mayor tamaño.
Muestra en Paraná: “Tres”
Lugar: librería
La obra fue planteada en función de la biblioteca, las bateas con libros y discos, la mesita, la silla, el lugar hiper barroco.
A través de la superposición de una foto de un paisaje que empapela una gran pared y una pintura sin bastidor, la pintura sale del cuadro.
Trabajo en 3 capas: pared, empapelado, pintura. El tamaño le permite meterse adentro. La transparencia se funde sobre del paisaje.
El Himalaya
El Himalaya palabra compuesta por hima „nieve“ y alaya „morada, domicilio, lugar“. Su nombre procede del sánscrito, y significa valle de nieves. Es la cordillera más alta de la tierra.
En las obras de Fede nos adentramos en un mundo donde los árboles, montañas, acantilados se transformen en entidades divinas. Las montañas veneradas como lugares misteriosos que tienen el poder de evocar un intenso sentimiento de lo sagrado quedan envueltas en mitos y creencias. Los rockeros son deidades en las montañas o también están encarnados en ellas. Me trasporto al romanticismo alemán del siglo XVIII y aquí también acontece algo sublime. Los rockeros me tranquilizan, pareciera que la tienen re clara.
El artista elije a músicos de bandas que le gustan, pero tampoco quiere que se note quien es el músico. Los rockeros cargan de subjetividad a sus montañas provenientes de lugares que le gustan y le dan placer. Nostalgia.
Fede me recuerda una y otra vez, tanto en su discurso como con su trabajo que la obra es un objeto de estudio que enfrenta el reto de ser diseccionada una y otra vez.

Grandes Fracasos en el C.C.R. Rojas

Con obras de Nicanor Araoz, Érica Bohm, Florencia Cabeza, Diego Gravinese, Silvia Gurfein, Pompi Gutnisky, Carlos Huffmann, Ezequiel F. Muñoz, Anabella Papa, Karina Peisajovich, Fernando Sucari y Nicolás Vilela, Porchi, Nahuel Vecino

Hasta el jueves 27 de Noviembre en el C. C. R. Rojas Corrientes 2038

viernes 31 mmmm en KDA / acuña de figueroa 1800

Residencia en el Delta del Paraná

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Residencia en el Delta del Paraná

Archivo vivo
2008



Proyecto:
Cuerpo en situación
Juliana Ceci

Fotografia:Sonia Neuburguer


Más:
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gustavo ballabriga en kda

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cuadrito nuevo de poggio

"monolito (concierto)"