miércoles, 31 de diciembre de 2008

sábado, 27 de diciembre de 2008


El mundo es un aeropuerto. El aeropuerto son tus ojos

Todos los lugares son de tránsito, inclusive el hogar. Parece que la vida es un viaje pasajero que empieza en un vientre y termina en una tumba. Y los viajes nos transforman, los tránsitos van marcando, sellando, remodelando o suspendiendo una identidad.
Lorena Marchetti parece despegarse de la idea acuñada en las últimas décadas del Siglo XX sobre los espacios de tránsito como aquellos en los que toda identidad quedaba borrada justamente por ese carácter transitorio de existencia: un aeropuerto, la habitación de un hotel, un largo pasillo en algún gran museo del mundo
[1].
Así, viendo las fotos de Lorena y escuchándola podemos pensar que puede quedar atrás esa ilusión posmoderna de la ausencia de una identidad o de la imposibilidad de apropiación de espacios, aromas, ritmos, colores, objetos de un determinado lugar en un determinado momento sólo porque los llamamos “de tránsito”. Todos tenemos en nuestras memorias un instante supuestamente pasajero que marcó nuestra identidad para siempre. Lo pasajero es una marca, lo pasajero es indeleble, permanente.
Sujetos somos los que hemos sido sostenidos y somos sostenidos por una mirada, por los ojos de otro y por medio de nuestra mirada también construimos ese mismo carácter de sujeto en los demás. Y en los objetos también ¿por qué no? Mirar un cielo que nos mira a su vez, contemplar una taza, un rayo de luz, un mantel, una esquina, un agujero, el borde de una mesa y que esos objetos nos devuelvan algo, nos sujeten de alguna manera. En las fotos de Lorena aparece esta sujeción, donde su mirada transforma, entifica e identifica al objeto retratado.
El mundo es un aeropuerto, un pasillo, un supermercado. Y estos son los ojos que nos construyen como idénticos y asimismo como diferentes. Esa cajonera empapelada de flores de la abuela de Lorena se parece cada vez más a un mercado central, a una habitación de hotel, a un vientre y a una tumba. A una mirada transitoria que nos sujeta.

Malena Pizani
Buenos Aires, 17 de diciembre de 2008



[1] Marc Augé acuñó la frase "no-lugar" para referirse a los lugares de transitoriedad que no tienen suficiente importancia para ser considerados como "lugares". Ejemplos de un no-lugar sería una autopista, una habitación de hotel, un aeropuerto o un supermercado. Extraido de Wikipedia, la Enciclopedia Libre.

jueves, 11 de diciembre de 2008

Alina Perkins por Leonel Pinola





Jardín de gente





“Alguien debió conservar
y cuidar con amor este jardín de gente”.
Luis Alberto Spinetta




1.
Alina Perkins nació en diciembre de 1983 mientras las siluetas aun cubrían muchos muros de la ciudad de Buenos Aires.
En sus primeros años adoraba visitar el campo. De ésas visitas nació su colección de huevos de aves y su fascinación por trepar frondosos árboles.
Ahí vivía Pancho, su pony, que alguna vez le salvó la vida.
En el monte construyo casitas con living comedor y baño, tuvo un vivero y una fábrica de perfume.
Años más tarde, Alina Perkins hurgaba en los basurales tratando de rescatar joyas a medio quemar y en otro lugar de la ciudad Liliana Maresca montaba Recolecta.


2.
Como Nino Quincampoix, el novio de Amelie Poulain, Alina Perkins colecciona fotos encontradas.
A diferencia de Nino Quincampoix, la colección de Alina Perkins no incluye solo las fotos carnet sino también fotografías sin reconstruir, de tipo sociales, domésticas y fue creciendo con encuentros fortuitos en distintas ciudades del planeta.
Alina Perkins ordena su colección rotulando algunas fotos en las gruesas hojas negras del álbum con espiral. Su colección también es el futuro casting para el reparto de actores de sus cuadros.


3.
El sueño narcótico de Henry Rousseau parece rozar las pinturas de Alina Perkins, los retratados se van entremezclando con plantas y maleza.
Sus personajes vuelven a habitar las casitas del monte, con paredes que se enredan de tal forma que da la sensación de que viven un pacto de amor y fueran uno solo.
El piso de hojas que pintó Alina Perkins llega hasta la cintura de Diego , una palmera casi totémica se recorta en el cielo y las montañas dejaron de llorar hace un tiempo. A Alina Perkins le fascina Karem Kilimnik y a las chicas de las pinturas de Karem Kilimnik les fascinan los chicos de las pinturas de Alina Perkins.
En otras pinturas de Alina Perkins , en cambio, el vínculo parece voraz : a uno de los personajes le brota de su boca una especie de liquen y estremece tanto que hace pensar en Ofelia y en Laura Palmer algunos días después del agua.
Alina Perkins también pinta nuevamente sobre sus obras y la maleza crece sobre Sofía quien fuera su modelo.
A veces frente a la obra de Alina Perkins nos llega un poco el perfume que tiene el césped luego de la lluvia.


4.
Alina Perkins estuvo en Harlem y encontró familiaridad en una obra que había sido realizada a partir del caudal de ropa donada en el barrio.
Copérnico comienza a ser Copérnico porque cada retazo se une con el otro y en ése ejercicio Alina Perkins hace selecciones y conexiones entre la colección de su propia ropa en desuso.
Copérnico es casi un clochard vestido por un secreto patchwork sentimental.
Está calzado con un par de zapatillas que pertenecieron al ex novio de Alina Perkins y parte de su pantalón alguna vez fue una pollera que se exhibía en el local de ropa que tuvo su madre. En Copérrnico todavía orbitan los restos del naufragio entre un tiempo y otro.


5.

Alina Perkins escribe en los cuadernos que pinta. A veces sus pinturas son escenarios posibles , ella escucha el eco de lo que dicen sus personajes y entonces transcribe sobre el bastidor.
Alina Perkins también escribió y dirigió la obra El rinoceronte y la mesa durante la muestra Fotolog. Alina Perkins tenía cinco años y no asistió el día que Batato Berea recitó el poema Sombra de conchas al inaugurarse la galería del Centro Cultural Ricardos Rojas sin embargo parecen haber conectado. Alina Perkins escribió junto a Fernanda Laguna la obra El como es que se dice. Alina Perkins es actriz. Alina Perkins fue secretaria y una de las ninfas que adoró a la Madonna protectora de la pintura de Diana Aisenberg. Alina Perkins forma parte de Conchetinas. Alina Perkins me explica qué es Campopsí. Alina Perkins cuenta historias de amor. Alina Perkins llena la sala con sus pinturas, pronto el lugar será un jardín de gente y ya no estaremos tan solos.





Mario Caporali por Barsky





Tarde otra vez.Humedad.
El padre Mario -mi asignación- me esperaba en la terminal.
Mientras me conduce hacia ella menciona algo respecto a una busqueda morfològica que esta llevando a cabo. Debo conocer su obra.
El vehiculo se detiene. Llegamos.
-"Odio al mundo", me dice.

A 30 mts sobre el nivel del suelo, un criadero.
Seres recien nacidos que ensimismados practican torsiones, mientras reptan lentamente hacia otras criaturas.
Optimista, el padre Mario saluda los acomplamientos futuros con canticos de bienvenida.
Su legado responde al unisono con sonidos guturales.
Afuera una geisha corre.
Adentro, una voz en off explica el proceso en un idioma extraño.
Los encuadres resbalan hacia el intervalo entre las cosas,
y alli-desde el perímetro-, se abre una bifurcación.
-"¿Hacia donde conduce padre?", pregunto.

Sin prisa y como atendiendo un llamado, hace una pausa y sale al balcón.
Un gesto mínimo para q lo acompañe.
Como quien imparte una enseñanza,
-mientras corta una rama y la acerca hacia mí para q la huela-
contesta:
"Contenido en el arbol un monstruo;
en el repollo, una bandada de aves;
en la silla, la cabeza de un pene"

No comprendo -y me gusta-. Callo.
Continùa:
habla de un ritual biodiverso, aún en construcciòn.
tal vez un bosque, o en cualquier maceta.
Un viaje en macro hacia lo tactil de un mundo amplificado,
Un acto de divulgaciòn de combinatorias posibles.
lo conceptual y lo sensual, uno.
el brujo y nosotros, uno:
el fin de los envases.

Afuera,
nuevamente la geisha.
Corre y vomita. Da la alarma: -"Vienen a infectarnos"- grita.

Tal vez buscando abstraerse de tanta histeria,
el padre mario hace sonar sus gongs.

Silencioso y detras, un conjunto de arboles aguarda el momento.

Natalia Cristofano por Rafael Barsky


miércoles, 10 de diciembre de 2008

juliana ceci por diana aisenberg



Juliana Ceci, nació en la plata en 1979.
Vive y trabaja en Buenos Aires.

Juliana Ceci da clases en Belleza y Felicidad Fiorito y desarrolla un proyecto de gestión para hacer una muestra colectiva con intervenciones en el riachuelo. La muestra consiste en el registro de las acciones, es itinerante.

Da clases una vez por semana todos los sábados en Fiorito, a chicos de 5 a 13 años, de la villa local a partir de una muestra colectiva, también de autogestión junto a otros artistas- que nació en Unquillo, Córdoba, y mudó a la galería de Fernanda Laguna en Fiorito en el 2006, luego de haber pasado por Periferica.

Juliana participa en la mudadora desde hace muy poquito; la mudadora es un grupo de artistas que interviene espacios en transición, como casas abandonadas o a punto de ser transformadas.

La bibliotequita lunática es otro proyecto importante: mueble nómade.

Su taller se llama Las Dos Fridas, y es un local a la calle, que funciona como núcleo de acción para el resto de los proyectos asociándose con otros, por ejemplo con Belleza y felicidad.

Ya no le gusta dibujar con birome pero es una herramienta que la acompañó mucho tiempo generando muestras varias, invitando a otros artistas a usar el mismo medio, se podría decir que juliana CECI es una promotora de la birome.

La birome le dio paso al rotring implicando un pasaje a la línea limpia, quizá pura.
La cerámica: acá se interviene la tierra horneada, dibujos sobre superficie modelada por otra persona. Hoy ya hace sus propios moldes.

A veces sola a veces con otros como un latido dice, juliana es artista tiempo corrido.
Quieta y en movimiento y de eso habla. La pintura es como una pregunta, o varias preguntas, también van en grupo y no siempre se desprenden de un relato, de un transcurrir de la narración.

Le interesan los márgenes del espacio y los territorios, sin embargo esto no se refleja en las resoluciones formales en el plano. Considera a la birome un recurso marginal aunque como tantos otros perdieron su lugar en la oscuridad. Atravesando márgenes se encuentra realizando actividades sociales en relación al arte, y en relación al otro.
Otra Frida, otro lugar otra función del espacio.

Diana Aisenberg, 2008

viernes, 5 de diciembre de 2008

Marcos Torino por Juliana Ceci







Marcos Torino tiene 25 años, estudio 2 años de diseño grafico. Actualmente trabaja como diseñador en la revista Guía Pocket Blog de la cual es editor junto con tres amigos.
La revista se estructura en torno a un tema y el contenido es de creación colectiva, via internet. Después pasa al papel en una tirada de 8 mil ejemplares 6 veces al año.

Encuentro algunas filiaciones de este proyecto con “Historias del arte”, de Diana y otros proyectos que están investigando formas de acopio de información colectivamente.

Estudia pintura con Sergio Bazan y Asiste a la clínica de obra de Diana Aizenberg.


En una casa grande, antigua, de paredes descascaradas, crecen alrededor de 15 artistas, cada uno en un espacio vegetal, con su regadera de ocres, su mesita achicharrada y la gran tela en espera.

Como cada artista que participa del taller de pintura de Sergio Bazan, Mario tiene derecho a un espacio en esta gran casa blanca-gris,lugar de discusiones, fiestas, lazos y amistades al cual concurre hasta 4 noches por semana, para pintar, luego de cenar en su casa.

Ama mucho a Kandinsky, y toma su libro “Sobre lo espiritual en el arte” como referente.
Es posible imaginar, dentro de las pinturas de Marcos, al Jinete Azul apartándose de las colinas de la figuración, tal vez como una cita respetuosa y afectiva.

Nombra principalmente artistas modernos… yo pienso en Jessica Stockholder.

Dice que esta intentando buscar nuevos elementos formales para su pintura además de la línea, a la que considera uno de los elementos más importantes dentro de la pintura abstracta, Mientras, mate en mano, lo miro desplegando y clavando sus telas, zumbando como una libélula verdosa.
En este fervor, y sin querer, Marcos superpone una pintura sobre otra, y yo observo maravillada lo bien que quedan.

Son tramas superpuestas, abundan los colores planos, bien definidos, a veces encerrados en celdas realizadas con líneas de colores contrastantes.
Pienso en las estampas textiles, y desde mi visita a su taller, ya no miro los locales de venta de telas sin pensar en su paleta.

Las pinturas emanan energía:
son panales volcánicos, frutas ortogonales, parabrisas fragmentados en un choque náutico bajo la nieve.
Sin embargo ninguna tiene título.


El me cuenta que pintar le da placer, disfruta mirando sus pinturas, lo hipnotizan.
Las tapa una y otra vez hasta que encuentra lo que le interesa,

Busca que sus pinturas transmitan una vibración positiva,
Sensaciones estimulantes, alimento de texturas, manos adentro de un colchón.

Hay que aprender a preguntarle a Marcos, le gusta hablar de colores, de líneas, de formatos, de cuestiones reales, perceptibles… lo imperceptible permanece aquí, en el terreno de la evidencia.


Esta visita me contó algo de la Pintura.
Remanso de sensibilidad. Paraíso y consuelo.
Espacios donde proyectar sueños, cuadros escupidos y tallados contra las paredes húmedas de una casa destruida.


http://www.marcostorino.blogspot.com/

curriculum 0

Muestra en la Oficina Proyectista


Este mes nos inunda de alegría invitarl@s a Solos y solas, nuestra muy especial muestra colectiva de fin de año, que inaugura el miércoles 3 de Diciembre y se podrá visitar durante todo el mes los días miércoles, jueves y viernes de 18 a 20 hs, de la que participamos juntos: Verónica Olivieri Pinto, Juana Neumann, Marianela Depetro, Filiberto Mugnani, Ignacio de Luca, Andrea Fasani, Marcela Rapallo, Luciano Subira, María Fernanda Rodrigo, Claudia Toro, Magdalena Jitrik, Juan Dothas, Carlos Rottgardt, Pablo Caracuel, María Jose Lascano, Mercedes Fidanza, Adriana Minoliti, Santiago Rey, Cristina Coll, Sonia Neuburger, Camilo Guinot, Alejo Rotemberg, Walter Álvarez, Guido Yannito, Marcela Sinclair, Juliana Ceci, Angel Jara, Sandra Pauli, Maria José Alvarez Hamelin, Laura Códega, Yamel Najle, Silvina Rotemberg, Mariana Cerviño, Johana Borchardt, Andrea Vazquez, María Ibañez Lago, Archivo Vivo, Marisol Fondovila, Josefina Zuain, Mercedes Bustelo, Gustavo Tabare y Kalle Brolin. La dirección es Perú 84, 6to piso, Oficina 82 , Ciudad Autónoma de Buenos. Argentina.El link a nuestro blog http://oficinaproyectista.blogspot.com/

miércoles, 3 de diciembre de 2008

Gabriela Gutierrez por Julia Sanchez



Tengo un problema, no se como mostrarles mis pinturas, mis dibujos... si pinto naturaleza... ¿porque se transforman en cuadros? Yo quiero pintar naturaleza de verdad. Yo quiero una cascada, no un cuadro de cascadas... o bien seamos átomos, formas, abstracciones, sino podemos pintar naturaleza, seamos pinturas.
Pintar portales, como en los paisajes de mary poppins, entrar de un saltito, sentarnos a tomar el te y que nos atiendan pingüinos, sería conveniente que no llueva o si, que la puerta al mar nos salpique refrescantes pixeles verdes, con olor a sal.
Y la cascada? bueno en la cascada esta Dios así que podemos sentarnos en un banquito de Iglesia. Vivencia del plano.
Que hermosas que son esas pinturas! son perfectas.

jueves, 27 de noviembre de 2008

miércoles, 26 de noviembre de 2008

martes, 25 de noviembre de 2008

María Ibañez Lago por Virgina Spinelli




Ese pájaro omnisciente tiene voz. Canta los avatares, los asedios, las guerras, los amores, las alianzas, el llanto, las pasiones. Con su canto va tejiendo esa épica fundacional, de tiempo en que los hombres entendían el lenguaje de los dioses y eran dueños de espadas sabias. De tiempos en que los dioses bajaban de su constelación para confundirse con los hombres, portando rayos en sus manos.

Tiempos míticos, abandonados a la ficción , después que el rayo lejos de ser el atributo de algún dios, ha quedado aprisionado en un cable para ser solo electricidad capturada que alimenta máquinas. Desde entonces ese pájaro omnisciente parece haber callado.

A veces María, entrada en el silencio puede captarlo y seguir el flujo de su canto. Ese canto la llena de calma, traza su plan, que es cada vez mas claro desde que piensa en lo colectivo, y esto se traduce en alegría.

María sabe, que este pájaro dice aún lo que no puede ser dicho y que no debe esforzarse por entender cada palabra que le dicta, sino dejar que estas se revelen en sus imágenes mientras prueba nuevos colores, materiales, formatos, para volver a los conocidos transformada.

lunes, 24 de noviembre de 2008

Andrea Koze por Carolina Spinelli






































EL LENGUAJE DE LAS FLORES


La flor es la estructura reproductiva característica de las plantas.
Su función es producir frutos y semillas para lograr la continuidad de la especie.

Desde siempre las flores ocupan un lugar especial en la vida de las personas.
Han deleitado al hombre por su formas exquisitas, por la delicadeza de sus colores y fragancias.
En la antigüedad, algunas eran consideradas manifestaciones de divinidad, tesoros preciados, usadas para ofrenda y veneración.

El mundo de Andrea Koze esta lleno de flores.
Pinta y dibuja con un preciosismo amoroso, flores con oleo, acrílico, marcadores, lapices de colores, sobre tela, bastidores, chicos, grandes, dipticos, sobre papeles ya impresos, sobre vidrios. Y ahora también las modela.
Y lo hace como si pudiera hacer florecer cualquier superficie.

Flores silvestres en el campo movidas por el viento,
margaritas que hipnotizan entregando su belleza,
detalles de su aparato reproductor, lo femenino, la fertilidad,
retratos de flores en su esplendor,
pétalos que se abren al sol para ser contemplados
o a la espera de la visita de un colibrí.


El significado de las flores.

Todas cuentan con un lenguaje propio, y con cada una de ellas podemos transmitir un mensaje diferente.

Andrea sabe y le interesa la composición de cada una.
Cuantos estambres, cuantos pétalos, de que familia botánica son, si son compuestas o simples, como es su simetría.
Pero se sumerge en el placer de pintarlas, en el color, en la materialidad, en la composición, en la delicada observación de las formas.

también sabe de su significado simbólico, desojar inocentemente la margarita para ver si nos quieren mucho, poquito o nada,
regalar rosas para expresar amor, el floripondio que alucina, la pasión del girasol, la pureza del lirio, la perfección iluminada del loto, la delicadeza femenina de la magnolia, el amor desesperado del nomeolvides, los recuerdos del pensamiento, la ninfa que se escapó de la lujuria de Apolo y se convirtió en una violeta.

Las flores en su obra son protagonistas, están ahí con su presencia y todo lo que cuentan.

Como hay Rosas de luxanburgo, reinas Margaritas, Azucenas Villafor, Violetas Rivas, y Petunias pig, ella titula sus retratos de flores con nombres de mujer. Kim, Sofia, Anette, Marina, Olivia.

Flor como símbolo.

Sobre empapelados de estampados pasados de moda, dibuja emblemas japoneses, llamados Kamon, insignias de los diversos clanes que existieron durante el periodo feudal.
La simbologia de cada escudo-flor identifica a una familia imperial.
El estilo lineal y estilizado en blanco y negro, con el diseño impreso industrialmente en el empapelado, hace un cruce de las diferentes representaciones iconograficas del tema flor.
Lo decorativo y lo emblemático se superponen creando una nueva imagen.

Sobre el frente del edificio de una galería, dibujó metódicamente flores con marcador en una base de empapelado floreado.
Flores sobre flores intervienen y envuelven la fachada entretejiendo un jardín colgante.

Una nueva serie de grandes cuadros al oleo. Las formas se simplifican, el color estalla y magnetiza.
La flor desde la visión de Andrea, quizás su esencia?
El zen dice que El hombre contempla la flor. La flor sonríe.
Yo sonrío delante de sus cuadros.

Caro Spinelli
Noviembre 2008

viernes, 14 de noviembre de 2008

martes, 11 de noviembre de 2008

jueves, 6 de noviembre de 2008

Malena Pizani en Crimson. Viernes 7 de Noviembre a las 19hrs.




Casi anónima sonríes
Y el sol dora tu cabello
¿Por qué para ser feliz
hará falta no saberlo?

Fernando Pessoa



RETORNO Y VENGANZA DE LAS DECAPITADAS
La danza del olvido.


-yo vivo, porque vivo.
-claro, nosotras también.


Estudiar, entender, saber, conocer, amar. Conocer, dice el viejo testamento, es hacer el amor. Adán conoció a Eva.
¿Quién piensa: el cerebro o el hombre? Mis manos son cabezas dice Male. Una cabeza en cada dedo. Murmullo y manantial. Si el murmullo llegara a ser Uno. Un murmullo. Invocar un paraíso en el que no se cree, un estado de iniciación sin exigencia.
Isla bosque a la que se llega andando.

Cabezona: cabeza de agua, macrocéfala, cabeza hinchada, estructura blanda, llena de nada, sol de oro, bola de luz. Materia dorada, ley del conocimiento.
Conjuros de la melancolía.

Niñas en un bosque acotado, isla oculta de la vida. Cabezonas sin edad y con el pensamiento fatigado, olvidadas de sí. Agachadas, con la cara tapada, con la mano en el bolsillo, por agarrar algo, mirando, a veces rezan.
Esperan atentas, señalan. Esperan algo. Lo que está por venir.
Reposo, caída y contemplación. Más allá de las letras. Más allá de alabanza y censura.
¡¿Que tendrían en común con gatos y lobos?

La lectura: remarcar, subrayar, escribir en los libros, dibujarlos. Hacerlos circular, la danza. La música tranquiliza la mente, la danza descansa. Foto música dibujo pintura bordado escultura. La danza.

En algún lugar de la mesa crecerá una planta y apuesto a que de esa cabeza nacerá un bebé.
D-a-r-a-l-u-z.
La inocencia, el niño y el olvido.

Diana Aisenberg, 2008.

gabriela gutiérrez en La Casona! este sábado con deliciosos daiquiris

domingo, 2 de noviembre de 2008

Federico Lanzi por Noelia Yagmourian





A Fede le gustan los números impares, porque son abiertos, dejan múltiples posibilidades. El 3 está dentro de sus preferidos, me cuenta que no es como el 4 por ejemplo que es un cubo sino que el 3 es un ángulo. A Fede le gusta esa relación cuando piensa en la lectura de su obra. El tres aparece en diferentes ocasiones, fueron 3 los artistas que trabajaron en la muestra “Visita el bosque de espejos y las catacumbas calefaccionadas submarinas” y “3” es el titulo de una muestra que realizó recientemente en Paraná.
Trabajo colectivo
Me confiesa que fue revelador el trabajo colectivo que realizo con Natalia Cristofano y Maximiliano Bellman en la muestra “Visita el bosque de espejos y las catacumbas calefaccionadas submarinas”. Descubrir otros mecanismos de trabajo derivó en una obra orgánica, donde la transformación colectiva en el proceso de trabajo era constante y asombrosa y a su vez aparecían climas planteados previamente.
El disfruté y el “mientras tanto”
Fede descubre el “mientras tanto¨ de sus trabajos anteriores. Llamamos ¨mientras tanto¨ a todo el proceso que existe entre la idea y el proceso para concretar la obra. Actualmente otorga un nuevo valor a los trabajos que realiza y surgen en el proceso de hacer las pinturas: fotos, dibujos impresos en papel, collages.
Aparecen otras posibilidades en su obra como el video, fotografías que incluyen música, escenografías, objetos.
Las pinturas son el resultado de un trabajo previo conformado por numerosos pasos:
Busca imágenes en diferentes archivos, las mismas provienen de internet, libros, fotos tomadas por el, etc.) , edita, nueva imagen en formato digital, impresión, dibujo, escaneo, impresión, dibujo.
En esa búsqueda el artista tiene en cuenta, la relación de los colores, la desproporción de los elementos que componen la imagen, las escalas, las formas de los paisajes, las posturas de las personas.
Las divido en 2 grandes grupos, las de pequeño formato y las que realizó más recientemente de tamaño mayor.
Las obras de pequeño formato Fede las organiza en forma de grilla, conformando un bloque de cuadraditos, permitiendo un modo de lectura occidental de izquierda a derecha. Relacionando un trabajo con otro surge el relato. Fede nos presenta su mundo….
Segundo grupo: pinturas formato mayor:
Son las más recientes, se desprende de la grilla y ahora se fusionan los paisajes y las personas / personajes en una sola obra de mayor tamaño.
Muestra en Paraná: “Tres”
Lugar: librería
La obra fue planteada en función de la biblioteca, las bateas con libros y discos, la mesita, la silla, el lugar hiper barroco.
A través de la superposición de una foto de un paisaje que empapela una gran pared y una pintura sin bastidor, la pintura sale del cuadro.
Trabajo en 3 capas: pared, empapelado, pintura. El tamaño le permite meterse adentro. La transparencia se funde sobre del paisaje.
El Himalaya
El Himalaya palabra compuesta por hima „nieve“ y alaya „morada, domicilio, lugar“. Su nombre procede del
sánscrito
, y significa valle de nieves. Es la cordillera más alta de la tierra.
En las obras de Fede nos adentramos en un mundo donde los árboles, montañas, acantilados se transformen en entidades divinas. Las montañas veneradas como lugares misteriosos que tienen el poder de evocar un intenso sentimiento de lo sagrado quedan envueltas en mitos y creencias. Los rockeros son deidades en las montañas o también están encarnados en ellas. Me trasporto al romanticismo alemán del siglo XVIII y aquí también acontece algo sublime. Los rockeros me tranquilizan, pareciera que la tienen re clara.
El artista elije a músicos de bandas que le gustan, pero tampoco quiere que se note quien es el músico. Los rockeros cargan de subjetividad a sus montañas provenientes de lugares que le gustan y le dan placer. Nostalgia.
Fede me recuerda una y otra vez, tanto en su discurso como con su trabajo que la obra es un objeto de estudio que enfrenta el reto de ser diseccionada una y otra vez.

Grandes Fracasos en el C.C.R. Rojas


Con obras de Nicanor Araoz, Érica Bohm, Florencia Cabeza, Diego Gravinese, Silvia Gurfein, Pompi Gutnisky, Carlos Huffmann, Ezequiel F. Muñoz, Anabella Papa, Karina Peisajovich, Fernando Sucari y Nicolás Vilela, Porchi, Nahuel Vecino
Hasta el jueves 27 de Noviembre en el C. C. R. Rojas Corrientes 2038

miércoles, 29 de octubre de 2008

viernes, 24 de octubre de 2008

gustavo ballabriga en kda
eleonora filippi en kda

lorena marchetti y jualiana ceci en kda

cuadrito nuevo de poggio


"monolito (concierto)"

jueves, 23 de octubre de 2008



andrea koze en kda

leonel pinola en kda
mariano grassi en kda

sábado, 18 de octubre de 2008

viernes, 17 de octubre de 2008

carolina spinelli por fernando sucari

“There's a starman waiting in the sky
He'd like to come and meet us
But he thinks he'd blow our minds”

David Bowie, Starman


La física nos dice que la luz tarda 1.2 segundos en llegar de la tierra a la luna. También que la velocidad a través de un medio que no sea el "vacío" depende de su permisividad eléctrica, permeabilidad magnética y otras características electromagnéticas.
Los mundos de Carolina son plateados. A ella le gusta decir que es un fenómeno físico, como Marte es rojo y la luna blanca.
A Carolina le gusta El viaje a la luna de George Méliès. En ese corto prehistórico –en lo que a cine se refiere-, podemos ver un montón de gente que se mueve todo el tiempo, alborotada, como hormigas, tanto acá, sobre la tierra, como allá, sobre la luna. En los mundos de Carolina, en cambio, no hay otro ser vivo que la vegetación; una vegetación que para ser de otro mundo nos puede parecer levemente familiar, a excepción de ese extraño color plateado. En algún punto es paradójico: las plantas son de otra galaxia pero tienen color de nave.
Se cuenta en voz baja que esa repetida soledad de la plantas se quebró hace poco cuando, silenciosamente y sin ser vista cruzando el espacio, una nave hizo su aparición entre la maleza. Así como no sabemos si el hombre realmente ha llegado a la luna, en este caso no sabemos qué ha llegado ni a dónde.
Otra paradoja que traen las esferas de Carolina se encuentra oculta detrás de las múltiples formas que toma la vida vegetal. Telgopor, burletes, pintura con purpurina, pegamento, plantitas de plástico en miniatura, esponjas y demás materiales que Carolina ataca con pistolas de calor y que compra en cualquier lado, generando estupor en los vendedores que terminan preguntando para qué sirven los materiales que ellos mismos venden. Carolina disfruta logrando que esos materiales muten. Es, volviendo a la física, un efecto Doppler, donde el movimiento de un objeto produce una variación en la longitud de onda. Entonces, por ejemplo, un sonido puede ser más agudo o más grave de acuerdo a si se está acercando o alejando y lo mismo ocurre con el color, puede virar al azul, al rojo o, en este caso, al plateado.
Yo no sé si a Carolina le gusta David Bowie, pero parece que se hacen preguntas parecidas. En Life on Mars Bowie se pregunta sobre Marte para hablar de la Tierra. Con sus tintas, sus microespacios esféricos, sus formaciones vegetaloindustriales y sus flamantes videos, Carolina siempre empieza hablando de una cosa para terminar hablando de otra, las formas se trasvasan y trasvasan en continuado. Una forma, un modo de operar en el que podemos viajar a otra galaxia de la mano de un junco, un pulpo o un alga.

jueves, 16 de octubre de 2008

rosario blefari invitada

video

oligatega numeric por cippollini

miércoles 15 de octubre de 2008
Oligatega Numeric: un Catálogo - Trailer en Pictocromo
Hace semanas que vengo tomando apuntes sobre Oligatega Numeric. Muchos. Recién ahora estoy tratando de darles un orden. Sobre todo para entender un poco más el sistema de lo que hago. Algunas frases se fueron colando en el Cippodromo, en los últimos posteos. De todo lo que leí sobre ellos, lo único que rescato son dos ensayos que escribió Inés Acevedo (incluso cuando me da mucha gracia su categorización de “críticos”) y algunas breves epifanías de Mao y Lenin. Pero lo cierto es que ayer inauguraba su muestra y tenía ese tremendo cúmulo de notas (una pequeña biblioteca) sin un orden preciso. No es la primera vez que me pasa. Hace ya once años tuve una experiencia bastante en sincro, con una exhibición de Jane Brodie que me llevó a escribir muchos cuadernos; años después publiqué una mínima selección de estos apuntes en ramona. Pero esta vez decidí hacer algo diferente. Escribí un texto que está casi en las antípodas de mis notas y lo propuse como catálogo - trailer, como breve narración de avance. Mientras tanto, pienso en cómo darle una dirección a lo que ya tengo (y sin dudas seguirá creciendo). ¿Un pequeño libro? ¿Un sitio web? ¿Ensayos dispersos aquí y allá? ¿Todo esto junto? Ya veremos.
Por lo pronto, va el texto-trailer.


Pictocromosis
El código fuente de Oligatega Numeric
Trailer


¿Usted lo ve desenfocado?
¡Continúe así!
Bernard Desanti

Su cuerpo es el mismo.
Es el espejo el que está raro.
Italo Raddatz






Podría hacerlo fácil y ensayar algunas líneas sobre lo que ya sabemos. Un examen rápido, parafraseando lo que ya se escribió y agregándole para la ocasión algunas precisiones.
Por ejemplo:

En líneas generales

Uno. Oligatega Numeric elige no definirse más allá de sus propias narraciones diseñadas por ambientes alterados, objetos intervenidos, sonidos procesados, y un glosario siempre excedido de conceptos inventados. Mediados siempre por una mitología inestable (o mejor: una morfología tensionada por un relato de textura lisérgica) sus propuestas son puro estímulo: un rompecabezas sensorial con mucho de ciencia ficción e imaginario de subculturas.

Dos. Por otra parte, su biografía dice que se trata de un grupo conformado por cuatro artistas multimedia que rondan los treinta años (hubo un quinto miembro que se alejó hace un tiempo), formados hace una década, la mayoría de ellos egresados de la Escuela Prilidiano Pueyrredón y que formaron parte de la última edición de la Beca Kuitca. También que actúan por separado (sus intervenciones solistas son muy reclamadas, así como sus plataformas fractalizadas, p.ej. Mecto y Fósforo líquido) y que en los últimos años, con distintos integrantes e invitados, formaron varias agrupaciones de rock, punk y noise (Rondamones e Hipnoflautas son las más conocidas).

Tres. En tanto narradores, sus exhibiciones tienen la estructura de capítulos de una saga, cuya continuidad temática, plagada de metáforas herméticas (con títulos como Silencio Modular, Crimental Kitchinet, oldujici olkohdu conscienzoids o Maravilla Tecknovilla), lo cual no les ha impedido infiltrarse en medios masivos y eventos de moda como MTV o Creamfields. En todos y cada uno de los casos, plagados de dosis altísimas de diversión e inquietud. Si el trance habitualmente se entiende como trayecto y duración, en sus propuestas se reconfigura en tanto alteración espacial: sensorialidad desquiciada. Nunca más efectivo el apotegma: “el arte invariablemente barbariza la tecnología”. Sus ambientes parecen museos de ciencias naturales alienígenas (o laboratorios) cuyas vitrinas (o incubadoras) hubieran estallado.

Cuatro. El origen de su universo ficcional parece centrado en un monstruo amorfo de condición indefinida, que según cada escena (exhibición, intervención) fue adoptando denominaciones diversas, ya Mobo6 o El Enorme. En el mejor reporte que leí sobre el tema, Inés Acevedo conjetura: “En realidad esos monstruos eran emisores o medios de comunicación frustrados. Lo que pasaba era que nadie era capaz de entender el mensaje. Lo cual no significaba que ni hubiera un mensaje que al azar significara algo. Como el teorema del millón de monos que dice: ‘si dejáramos a un millón de monos en una oficina, enfrente de máquinas de escribir, durante miles de años, ¿acaso no podría haber uno, que tarde o temprano, por casualidad no escribiera Hamlet?’”.

Si hubiera elegido este camino, sólo me hubiera faltado agregar un párrafo sobre la muestra que hoy nos convoca (El Enorme en Pictocromo) y señalar en pocas líneas que si bien en esta oportunidad Oligatega Numeric optó por formatos mucho más tradicionales (una parte substancial de la exhibición está conformada por pinturas) en verdad no se trata más que de otro ejercicio de desnaturalización exacerbada, de distintas sumatorias de ejemplos de biología mutante que podrían sintetizarse en el interrogante “¿Cómo una fantasía colectiva se reconfigura y potencia en la descomposición de lo físico?”. Definitivamente, sus pinturas nos resultan tan extrañas, o más, que las instalaciones y ambientaciones que ya conocíamos.

Pero lo cierto es que jamás escribiría algo así. No es mi estilo.
No me saldría bien. Además, ha sucedido algo.
El Enorme ya no es un emisor de comunicación frustrado.
O no del todo, ya que logré capturar su mensaje.
Y se trata, ni más ni menos, que del Código Fuente de Oligatega Numeric.

¿Quieren leerlo?
¿Realmente desean conocerlo?
Lo más probable es que ellos lo nieguen todo, pero éste es.
Muy bien: ahí vamos.


El Enorme es un koan de Mobo6.
Y Mobo6 es el egregor manifestado por un Oligatega.
Un Oligatega es un mamífero que suele dejarse ver en algunos campos de golf.
Se trata de un koan particular: un koan ergonómico.
No sólo: su ergonomía es morfodélica.
En tanto presencia espacial, actúa por vibraciones.
(Continuará).


Suplemento
Apéndice terminológico

Koan: Un kōan (公案; Japonés: kōan, Chino: gōng-àn) es, en la tradición zen, un problema que el maestro plantea al novicio para comprobar sus progresos. Muchas veces el koan parece un problema absurdo, ilógico o banal. Para resolverlo el novicio debe desligarse del pensamiento racional y aumentar su nivel de conciencia para adivinar lo que en realidad le está preguntando el maestro, que trasciende al sentido literal de las palabras. Quizá el koan más famoso es aquel en el que el maestro da un aplauso y dice: "Este el sonido de dos manos, ¿cuál es el sonido de una sola mano?" (según tradición oral atribuida a Hakuin Ekaku, 1686-1769, considerado el recuperador de la tradición de los koan en Japón). Este koan también es famoso en la cultura occidental por habérsele dado un buen número de respuestas espurias o incorrectas tales como: chasquear los dedos, el silencio de mover una mano en el aire, darle una bofetada al profesor, poner la mano debajo del sobaco para hacer ruidos ofensivos, etc.

Egregor: “Egregor” [Del griego Egregoroi] significa velar. Egrégora también proviene del mismo término y designa la fuerza generada por la sumatoria de las energías físicas, emocionales y mentales de dos o más personas cuando se reúnen con cualquier finalidad. (…) un ente primordial formado por una agrupación de almas en un todo de sustancia mental o psíquica. Los antiguos consideraban a la Egrégora un ser vivo con fuerza y voluntad propias generadas a partir de sus creadores o alimentadores pero independiente de las de cada uno de ellos. En el plano racional a los Egregores se les entiende como formas psíquicas que tienen que ver con estados de conciencia humanos. Es un 'ser psíquico' de carácter colectivo; un campo de influencia común, es un fluir sutil, invisible y elástico que ocupa espacios y que transmite energías creadas por un modo de pensar, de sentir o de actuar de los seres humanos. Es un “ente” real, sensible y actuante, aunque imponderable, que permite tener a los corazones sintonizados.

Ergonómico: adj. Perteneciente o relativo a la ergonomía. Ergonomía: (Del gr. ἔργον, obra, trabajo, y –nomía). F. Estudio de datos biológicos y tecnológicos aplicados a problemas de mutua adaptación entre el hombre y la máquina.

Morfodélica: adj. Perteneciente o relativo a la morfología psicodelizada. Psicodelia: es la adaptación al español del inglés psychedelia, un neologismo formado a partir de las palabras griegas ψυχή, "alma", y δήλομαι, "manifestar". La palabra psicodélico fue inventada por el psicólogo británico Humphry Osmond y significa "que manifiesta el alma". Ajustándose a esa definición, todos los esfuerzos por proyectar el mundo interior de la psique pueden ser considerados, en un sentido amplio, "psicodélicos". Sin embargo, cuando se habla de psicodelia suele aludirse a una modalidad artística muy concreta: el arte psicodélico, sobre todo pictórico y musical, que se desarrolló a partir de los años cincuenta del siglo pasado. Este tipo de arte se caracteriza por evocar las vivencias propias de la experiencia psicodélica: sinestesia, alteración de la percepción del tiempo y del sentido de la identidad, empatía, etc.

Vibraciones. Matemática de los Egrégores. “(…) Una característica fundamental del Espacio es su estado vibratorio. Todo el Universo manifiesto existe de acuerdo a leyes de frecuencia vibratoria. Todo lo que existe ha sido creado y se crea por el Sonido de un Ser --Inmanente y Trascendente-- que habiendo substanciado al Universo con un fragmento de Si Mismo, permanece.”

jueves, 9 de octubre de 2008

KDA baila

dorio y hernan




esta imagen es sencillamente conmovedora
gracias marius

y ese silbato en el medio!!!!

sábado, 4 de octubre de 2008


dice hasper
Se forman asociaciones de personas
con las mismas ideas. Y esta unión
sucede públicamente, ella corresponde a la
situación de la época y así toda aspiración
política particular está excluida;
tales uniones no dan lugar a ningún error.

KDA
mucho trabajo para mucha gente
El lema de KDA es una cita de Enrique Ahriman (QEPD) quien decia que el arte es un fenómeno dividido en tres pasos: exposicion, representación y venta.

miércoles, 1 de octubre de 2008

kda2008 en crimson por rafael cippollini

Kiosquicémonos





No hay mejor mercado que tus deseos.

Refrán persa



Hagamos zoom sobre éste KDA.

Tracemos un glosario, veamos de qué se trata.

A ver. Comencemos por esta palabra, proyecto.



Proyecto. Así es. En esta edición de KDA reina el proyecto. Muchas obras, como siempre, pero en proyecto: plan y prueba al mismo tiempo. En muchos casos todo tuvo su comienzo en cuadernos, libretas, papeles en donde se desplegaban, entrelazándose, diagramas, dibujos y escrituras. Otras veces, se trató sólo de arquitecturas mentales, de realizar el trayecto previamente con la imaginación. Porque el proyecto, al fin de cuentas, es forma en movimiento. Es la forma que tantea sus límites. Que los testea.

Todo proyecto es una exhibición portátil, en escala. Lo tiene todo: visualidad, discurso, montaje, edición. Es una empresa (una organización, una pequeña industria). Un escenario antes de expandirse.

Hubo algo más, que alimentó e hizo crecer los proyectos. Y fue que éstos se contagiaron unos de otros. Proyectos individuales crearon parejas. Cundieron los proyectos dialogados, bicéfalos, potenciados, las percepciones compartidas, las intuiciones y certezas colaboradas; los límites se redefinieron nuevamente. Fue por entonces que aparecieron las aduanas. Esa aduana de proyecto que se conoce como formato.



Formato. Ya sabemos, el formato es una herramienta. También un arma y una disposición de lenguaje: materializa (esto es, singulariza) una relación personal con el mundo. ¡Y esta es la mayor trampa! porque muchísimas veces son los formatos los que conquistan el mundo, formateándolo a su medida. Pero a nuestros artistas kadeáticos se los reconoce por su tenacidad, se intercambian técnicas para modelarlos, para desmenuzarlos, tentaculizarlos, reestructurarlos. Es que no tenemos que olvidarnos que KDA no deja de mutar, que posee una tradición en las transformaciones de formato: me acuerdo cuando fue un kiosco móvil desplazándose en camión (¡una verdadera prehistoria!), o aquella vez que participó de unas jornadas de poesía (Zapatos Rojos), o de la edición en una feria de arte (Periférica), o cuando estuvo en Tafí del Valle… la lista sigue. Es que KDA siempre fue un mercado móvil, nómade, zigzagueante, un mercado experimental ¡un mercado persa! El sitio donde se dan cita y conviven los proyectos más diversos, alimentando las orquestaciones más lanzadas. Veamos esto.



Mercado. Siempre es una investigación de valor. Tengamos en cuenta que KDA es a la vez un mercado interno y externo. Sístole pero diástole. Me explico: los intercambios, ya lo dije, comienzan entre los participantes. Entre los artistas que lo componen, que son su motor. Entre los creadores y ejecutores de proyectos. El primer tráfico, por consecuencia, es de experiencias, de colaboraciones, de puentes estéticos en el diseño de cada propuesta. A veces olvidamos hasta qué punto el mercado es producto del artista. En KDA, donde cada artista es su propio marchand, cada proyecto (interpelación de mercado) dispone su punto de oferta. Y ¿qué es una oferta, sino una invitación? Oferta espacial (vestir, modificar el entorno), oferta performática (convite de gestos, de destrezas, de ambientación), oferta de juego, oferta de conocimientos (cada proyecto no es nada distinto a una episteme). Cada proyecto no sólo redefine su formato, sino también su mercado. Si la oferta comienza con el diálogo ¿no se trata, en todos los casos, de construir buenos diálogos? Nunca Babel fue tan dichosa: contradiciendo al relato bíblico, estos babélicos hablan entre sí y con el público lenguas tan diferentes como efectivas. Todos se comunican con todos sin problemas. Es una de las más singulares características de esta tribu. ¿Dije tribu?



Tribu. En el siglo pasado (hace mucho, mucho tiempo) cierto sociólogo creyó adivinar una tribu en una cadena de montaje. Su idea fue muy debatida, luego, quizá con razón, olvidada. Ahora quiero retomarla y pensar en una tribu de producción de proyectos, de formatos y de mercados. Una tribu artística, con lazos intensos, articulada en discusiones, diversión, aprendizaje, desafíos, investigaciones, en mecánicas de sociabilidad y afecto que definen un perfil imbatible. Una de esas tribus que, observadas desde afuera, generan en nosotros espectadores unos deseos locos de pertenecer a sus filas. Una tribu que nos abre sus puertas (¿las tribus tenían puertas?) y que decide sumarnos a sus movimientos, ya no al grito de ¡banzai! sino en el aplicado arrullo telepático de “¡kiosquizate!”. Qué bueno entonces que una vez más entremos en frecuencia.



Kadeáticos de universo ¡salud!





Rafael Cippolini

Primavera, 2008

montaje kda 2008







"Sol ultimo y lejano. Maravilla poniente"De Juan l. Ortiz, "Antologia poética":

Mientras que en el renacimiento, existía la necesidad de crear utopías, los de nuestra época debemos crear fábulas

Francis Alys.

…Por lo mismo, me gusta ser perfectamente clara cuando hablo. Me gusta ser una casa de vidrio. Mi obra no tiene máscaras y por eso, como artista, lo único que puedo compartir con los demás, es esta transparencia.
Louise Bourgeois


Julieta Ortiz hasta el 31/1 en Le Bar

fede lanzi en crimson

forrito producciones

forrito producciones
el sotano de malena

yo soy de barro y loca.

soy barroca.

adelia prado


lula mari en crimson. ago I sep

Las manifestaciones del cuerpo son una epifanía móvil de lo sagrado.
Marosa de Giorgio
Y ahora la profundidad del cielo me consterna; me exaspera su limpidez.
Baudelaire

belleza y felicidad en brasil

forrito privado producciones

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en crimson, galeria de arte-
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